FANCINE. BUD SPENCER, ES NECESARIO.

BUD SPENCER, es necesario.

En Serie B Fanzine no existen las excusas para escribir sobre algo, el Serie B Fanzine es un ente con vida propia, no hay más que fijarse en su encarnación vía Facebook que se hace fans de cosas que no sé ni lo que son y que pasa completamente de hacerse vecino mío en el juego de la granja.

No cabe duda que las excusas para no escribir sí que existen: “- sí, me gusta el disco de los Mars Volta pero paso tres pueblos de contar la historia de la tabla de Ouija en la que se basa el álbum, - pero ¿¿qué dices?? – Y yo qué sé Antonio, yo qué sé….” “- ¿qué te escriba la crónica del concierto de Black Francis? Permíteme que te explique lo que me pasó la noche de antes…” “¿Una crítica del último de los Decemberist? No está nada mal, pero hoy no puedo, que tengo que recoger los guisantes, arar, plantar arándanos, recogerlos, volver a arar, plantar espárragos y atender a los animales, ayudar a los vecinos, buscar un trabajo real….

Eso sí, si hay que inventarse excusas se inventan y ya está, iba yo el otro día por Gran Capitán y me topé con un señor mayor, algo más gordo que servidor, con cara de malhumorado y unas barbas que ya las quisiera Chris Robinson, el señor sólo balbuceaba que los de ING eran unos hijos de puta, y yo le dije: ¡eso! ¡eso! A lo que me respondió con una soberana ostia (de todos es sabido que las que son sin h duelen más)... La realidad es que con quien me encontré ni tenía barba, ni nada en contra de los bancos, a priori, pero lo de Enrique Morente es otra historia que no viene a cuento; vaya, como lo de Bud Spencer, pero al menos que estas líneas sirvan de homenaje a mi amigo Fabio, al grandísimo Carlo Pedersoli por supuesto y sobre todo al Chorro, va por ti maestro…

Antes de nada ha de quedar claro que nos encontramos con un auténtico hombre del Renacimiento, obviamente pasará a la historia por repartir ostias con más gracejo que Chris Elliott, que hacía lo mismo con periódicos: repartirlos, no ahostiarlos.
Este señor, capaz de hablar 6 idiomas y Licenciado en Derecho en sus años, no como otros (y con otros me refiero al Wolfgang*, al Gran Wyoming, a Antonio, a Ignacio y a servidor de ustedes) pues este Señor y absoluto artista, también fue campeón mundial de natación, cosa que prueba que, al igual que yo, hubo un tiempo en el que no era un gordinflas, pero es que además llegó a participar en los JJOO.
Vale, Moussambani también puede presumir de haber “estado” en unos, pero lo de Bud fueron ni más ni menos que 3 olimpiadas 3, Helsinki ’52, Melbourne ’56 (aquí finalista, ojo) y Roma ’60. Además de ser el primer italiano capaz de bajar del minuto en la prueba de los 100 metros libres (mientras que Moussambani sólo puede sacar pecho ante el hecho de que es el único de su país que sabe nadar, que no está nada mal tampoco).

Bud Delgado

En fin estamos en 2010 y seguir cebándose de nuestro simpático amigo nadador es como seguir haciendo chistecitos sobre que Massiel le da al frasco, que a Pocholo le gusta la fiesta o sobre el tamaño y envergadura del nabo de Nacho Vidal y, francamente, ya está bien.

El amigo Bud Spencer, nacido en Nápoles como Carlo Pedersoli, se hizo llamar así juntando dos de las cosas que más le gustaban allá en los 60’s, la cerveza Budweisser y Spencer Tracy (absoluto Maestro de la interpretación), con semejante muestra de ingenio y buen gusto se merecía todo lo mejor y vive Dios que no sólo triunfó, además se ganó por derecho propio un rinconcito importante en nuestros corazones por siempre jamás.

Hablar de la carrera cinematográfica de semejante monstruo conlleva irremediablemente mencionar a su compinche, Terence Hill, el rubio, vaya. Para que se hagan una idea, algo ridículo porque todos sabemos de que palo iban este par de dos, serían como Asterix (Hill) y Obelix (Spencer) como Fénix y M.A. Barracus (B.A. en versión original), vaya, que uno iba de astuto y seductor y el otro daba ostias hasta quedarse solo y caía bien.
Está claro que Hill sin Bud no era nadie, pero estaba bien su inclusión porque todos queríamos ser él, no porque fuese rubio, con ojos azules y delgado, sino por tener como leal amigo al buenazo de Spencer, Bud… De Jon ya hablaremos si encarta…

A Bud no le gusta este artículo

Semejante combo sólo podía acabar bien y así fue, se comieron el mundo, sobre todo Bud. Cuentan con una extensísima filmografía entre la que podemos encontrar clásicos de la altura de: “Tu Perdonas …yo no, 1968” y sus dos secuelas, “Le llamaban Trinidad, 1971” y su secuela, “¡Más fuerte muchachos!, 1972”, “Dos misioneros, 1974”, “Dos Super-Policías, 1976”, “Dos Super Dos, 1984”, “Dos Superpolicías en Miami, 1985”, de hecho ésta es la primera película que pude ver en Tele5 allá por los tiempos en que la cadena amiga empezaba a andar, con la perspectiva del tiempo está claro lo que falta, si empezaron con Emilio Aragón y con pelis de Bud Spencer y ahora tienen a Jorge Javier Vázquez, la cuñada-clon de Rocío Jurado o a JJ Santos, lo que falta allí son ostias, muchas ostias…

En solitario destaca la tetralogía de Zapatones (1973-79) iniciada con “El Super-Poli” y finalizada con “Zapatones”, además de la básica “Banana Joe, 1982” que es a la que más cariño le tengo [yo también, Ndr.]. Sé que me dejo miles de películas pero por muy fan que yo sea tampoco vamos a negar la evidencia de que la gracia era la misma en todas y cada una, como si de una canción de Godspeed You! Black Emperor se tratase, el desarrollo era siempre el mismo: una continua subida de intensidad a base de ostias y mamporrazos y llegada a un clímax que parece que no puede subir más y aún así da un par de vueltas de tuerca más, luego aparente tranquilidad y ¡zaska! ¡¡Más ostias!! ¡¡Dientes, dientes!! ¡Que es lo que les jode! Orgásmico…

¿He mencionado que Bud componía algunas de las canciones que luego aparecían en sus películas? En serio, el último hombre del Renacimiento (Aquí iba un chiste de esos típicos y megasobados con José Luis Moreno como protagonista pero voy a suprimirlo en el único destello de clase que voy a realizar en este 2010 ¡FELIZ AÑO A TODOS!).

Bud, muy elegante, pero si te tiene que dar dos buenos pares de ostias te los dará

Bien, estaba hablando de la típica película de Hill & Spencer, en todas ellas lo que podemos encontrar es un sinfín de ostias, guantazos, mamporros, cabezazos, patadas, mordiscos, y humor, mucho humor, pero del bueno, comicidad pura, dura y gratuita, no esas poses modernas de ahora que si no te ríes es que eres tonto, por favor, ¿eso qué coño es? me recuerda a la puta publicidad del MediaMarkt, pero vamos a ver, ¿esa gente viene a decirme que los que no van a comprar allí son tontos? Santa Madonna….

Otro punto a favor de estas películas son los malos, gente que sabe que en una disputa hablar está de más. Hoy en día los malos en las pelis serían gente con myspace personal, Twitter, Facebook; los españoles incluso tuenti, y son gente muy preparada para la vida moderna, que les encanta Tarkovski, Isabel Coixet y los Abrazos rotos (aunque para brazos rotos los de las pelis de Bud –malo, muy malo, -bah, como si la peli fuese buena…), gente que tiene toda la discografía de Antony and the Johnstons, Manos de Topo y de Wolfmother si hace falta, que les gusta Naruto, que leen e incluso escriben si es que esas cosas se escriben haikus,…
Pero antes esto no era así, no había lugar a la negociación y eso Bud lo sabe bien, sólo existía la opción de dar ostias a pares.

Pero no se queden en la superficie, también se habla en estos filmes de la amistad, de la complicidad entre amigos, de lealtad, de buenos alimentos, de bondad, siempre tenían un buen motivo para liarse a mamporrazos con los malos, sin ir más lejos en Le llamaban Trinidad, evitaban que el malísimo alcalde de turno echase a unos pacíficos mormones del pueblo.
No quiero ni imaginar lo que hubiese molado una película de esta gente en plan Funny Games de Haneke con Bud Spencer y Terence Hill visitando casas de gente inocente y propinando palizas a familias de bien por mera diversión, por puro placer. Sobrecogedor…

Alargar esto más es ridículo pero he dejado un asterisco por ahí arriba en referencia a un tal Wolfgang, bien:

*Wolfgang es/era un chaval que estudiaba en los tiempos que -voy a usar seudónimos por si acaso- Sithbass, Cass y servidor estudiábamos una carrera universitaria, por aquel entonces todos creíamos que nos íbamos a comer el mundo, a nuestra manera claro, por supuesto jamás a los niveles de Bud Spencer. Pues bien el bueno de Wolfgang ya estaba curado de esa mierda, no obstante ya llevaba su nueve añazos en una carrera de 3, no lo conocíamos más que de verlo sentado por clase, cuando un día apareció en las noticias de Antena3.

Una imagen que siempre tendremos grabada a fuego, al bueno de Wolfie (si quieren hacerse una idea visual era como Meat Loaf época Bat out of Hell pero con gafas) lo metían en un coche de policía mientras Matías Prats Jr. decía (pongan la voz de Prats que a mi no me sale) : “Esta mañana en Granada detenían a un joven que apuñaló a su compañero de piso, según confirman fuentes oficiales, el joven sólo pudo argumentar: Tuve que hacerlo”.

Vale, no es Wolfgang, pónganle gafas.. et voilà

Un año después incluso mantuvimos una conversación con él acerca de cómo hacerse canutos con páginas de la Biblia y un triste acontecimiento que por decoro no mencionaré…Incluso Cass se hizo amiguillo de él. Allá donde te encuentres, Wolfgang, eres grande, te queremos, un abrazo.




Volviendo a Bud Spencer, más que nada por cerrar el círculo de desfachatez en el que me he visto inmerso, sólo darle las gracias, por su sencillez, su arte, su buen humor, los buenos ratos que ha hecho pasar a tanta gente. Ya no quedan señores capaces de tanto y tan humildes, Bud, eres necesario.






Por mED Vega (lleva como puede vivir en la Calle Juan y Medio, el chaval)

FANCINE. DOCUMENTALES ESENCIALES DEL ROCK 2. SILVIO, A LA DIESTRA DEL CIELO

SILVIO: A LA DIESTRA DEL CIELO
Francisco Brech
(2007)

Si este documental no existiera, alguien lo tendría que haber inventado.

El debut de Brech dignifica la memoria del genial rockero sevillano Silvio Fernández Melgarejo con una cinta que se beneficia de su interesantísima vida y obra, pero que funciona a las mil maravillas en sus manos.

Poco conocía del legendario artista sevillano antes del documental de Francisco Brech. Algunas escuchas de sus temas clásicos, algún chascarrillo, alguna que otra entrevista made in Quintero, poquito más.
Pero una profunda inmersión en su universo, y sobre todo, en sus discos y me veo en disposición de declararme acérrimo devoto del artista trianero. Puede que sea el fan número 101.399... pero como alguno ya sabe por ahí, lo mio con Silvio también es digno de diagnosticar.

"A la diestra del cielo" comienza con el ilustre Silvio llegando en coche a la entrega en Sevilla de la medalla al mérito rockero, la multitud corea su nombre y el saluda con su coñac en la mano. Inmediatamente después, un fragmento de una de las varias entrevistas que le hizo Jesús Quintero nos muestra a Silvio declarando que "me conformo con todo, es la única forma de vivir medio tranquilo. ¿Te vas a lamentar de algo?".

Bajo esta premisa podemos englobar la filosofía de vida del músico. Pero eso sí, sólo después del visionado de la película, conocida la historia, se explica cómo algunos episodios de su vida le marcaron el camino.

El largo de Francisco Brech se retroalimenta de Silvio y, mediante episodios a modo de anécdotas, se nos descubre un hombre único. Un rockero católico al que le gustaba pasarlo bien, beber en abundancia, y vivir la vida sin respirar miseria a base de morro, genialidades, y algún tropiezo, por qué no decirlo.
Las palabras de Ricardo Pachón, Rockberto Tabletom, Luz Casal, Pive Amador sobre el cantante (y baterista) aportan los datos para reconstruir el mito: Smash, su matrimonio y divorcio con Caroline, la legendaria grabación del rockanrolero debut con Luzbel (Al este del edén, RCA, 1980), sus escapadas en avión, sus solos de batería, el corto con Alberto García Alix, el magistral Fantasía Occidental, el concierto en Almonte... desternillantes todos.

Más triste es la última etapa del artista, a partir de mediados de los 90, cuando su estado se deteriora seriamente a causa del alcoholismo que arrastraba desde dos décadas atrás.
Sin embargo, en la vida de Silvio no hubo lugar para lamentos y el entretenimiento del filme no decae. Por contra, el calado de "A la diestra del cielo" crece en gran parte debido a la trágica pérdida del músico, cuidada con la objetiva y efectiva mano del director.

El documental termina mostrando a un Silvio que se niega a dejar este mundo sin dar los últimos ladridos, con un último disco acompañado de los Diplomáticos. Las palabras de Pive Amador definen el aura de un fenómeno que llevó su procesión por dentro, pero que hizo grandes a los que le rodearon: "El no creía en el futuro y, menos aún, en el pasado; por lo que disponía de un presente mucho más amplio que el resto",

La estampa de la madre de Silvio abrazada a su nieto Sam Fernández (también cantante) es el perfecto colofón a esta acertada revisión de la vida del sevillano.

Imprescindible.

La versión de DVD tendrá media hora más de minutaje (incluyendo la opinión de Raimundo Amador), amén de extras y demás.

Por Zeta (de Zilvio)
Dibujo por Zeta también.

FANCINE. STANDSTILL

STANDSTILL. Diez años y una zanahoria.
Enric Montefusco y Rosa Rydahl (2007)

Standstill resumen sus diez años de carrera músico-festiva en un documental desde una perspectiva francamente personal. Es una de las bandas más inquietas, excitantes e innovadoras del panorama nacional, cuya evolución a lo largo de los años ha ganado en admiradores, algo que en sus inicios la crítica veía imposible que así sucediera. Este grupo no ha hecho sino sumar en cada uno de sus pasos, sin perder su creatividad ni su energía. Más allá de esto, “diez años y una zanahoria” es un buen documental si nos ajustamos al presupuesto con el que Enric Montefusto (vocalista y compositor de la banda) ha contado para realizarlo. Puesto que ha sido él mismo el encargado de elaborar tal empresa, el resultado obtenido ha sido muy personal y sincero, aunque también ha contado con la ayuda de Rosa Rydahl como directora del documental.

Ambos han conseguido plasmar la idea original de manera clara y concisa mostrando de esta manera, algo de lo que Enric está muy orgulloso: "reflejar artísticamente lo que siempre he querido de forma espontánea, sin que ello obtuviera el respaldo económico y de público que se desease". Es por ello por lo que tenía que ser uno de sus componentes el encargado de editarlo, porque así recogerían al cien por cien la identidad y los objetivos del grupo.

El momento cumbre de la obra aparece con la participación de las madres de los principales miembros de la banda, que desde su opinión personal comentan cómo vivieron la experiencia de aquellos veinteañeros dispuestos a comerse el mundo y que tan extraños gustos musicales tenían y expresaban.
La aventura comenzó en 1995, con sus primeros ensayos, que quedarían recogido en la demo “Progress self-destruction” en 1996. Las pequeñas discográficas de Heart in hand y DIY product, les editaron un mini-LP, que sería su debut, “The Tide”, en 1997, donde podemos sentir la rabia que expresan a través de sus enérgicas canciones. Hardcore con tintes metálicos, Emocore, lo llamaban, y aquí terminó esa marca de la casa, pues en 2001 publicarían “The Ionic Spell” de manos de Bcore, y lo que se considera auténticamente su verdadero debut. Las revistas Mondosonoro y Rock Sound le dieron el título de “disco del año”. Es aquí cuando empieza una perspectiva de futuro, posiblemente consolidado, a través de los conciertos, cada vez más exitosos y no sólo a nivel nacional, sino que ya habían calado en el resto de Europa, convirtiéndose en referentes de un sinfín de grupos debutantes.

Pronto, el grupo comenzó a evolucionar y mostrar su lado más sensible. Ya no se trataba tan solo de tocar fuerte y gritar, ahora sus canciones llegarán a desgarrar el interior de aquel que los escuche. Resulta normal que su siguiente disco “Memories collector” publicado en 2002, también fuese elegido disco del año, y a continuación llegara su gira internacional, que los convertiría en un grupo consolidado en toda Europa.

Y es precisamente aquí, cuando Standstill toma una decisión importante: abandonar el inglés y adoptar el castellano para las letras de sus futuras canciones, cada vez más cercanas, íntimas y personales, volviendo a la escena en 2004 con “Standstill”. Este disco no sólo hizo reinventarse a la banda sino que ayudó a que saliese una nueva forma de entender el rock en castellano, sin precedentes hasta ellos.
La última entrega que nos ha dejado el grupo apareció en 2006, bajo su sello Buena Suerte, “Vivalaguerra”, donde continúan con el castellano como forma de expresión y la melodía alcanza un mayor grado que en el resto de sus tiradas y dejan sus tintes hardcore para los momentos álgidos de los temas.

La finalidad del documental es acercar a los seguidores esta larga y fructífera carrera musical. Cabe destacar que el documental se puede adquirir en su inminente edición en DVD, en su segunda edición autoeditada para su sello Buena Suerte.



Por Dj Playmobil

FANCINE. DOCUMENTALES ESENCIALES DEL ROCK 1. LOS RAMONES

END OF THE CENTURY: THE STORY OF THE RAMONES (2003)

Lo que los Ramones hacían era muy sencillo a ojos de todo el mundo, pero sólo ellos lo hacían tan bien. Uno de los grupos más grandes de todos los tiempos y junto con los Stooges la auténtica semilla del Punk.

Este documental dirigido por Jim Fields y Michael Gramaglia muestra con todo detalle la extensa carrera del cuarteto neoyorquino más entrañable que ha parido la música. Un grupo de una importancia en la música tremenda pero que aún así no pudo vivir de las ventas de sus discos.

Ya lo decía el genial Joey Ramone, “nosotros abrimos un camino, pero nunca vendimos, fueron los que llegaron detrás los que se llenaron los bolsillos”. Situación que les obligó, o más bien fue Jonnhy Ramone quien los obligó a girar continuamente y sin descanso para poder vivir de la música.

¿We’re a happy family?

Ni mucho menos, los Ramones no podían ser más diferentes entre ellos, mientras que Joey era un ultraliberal de izquierdas, Jonnhy era un ultraconservador de derechas (bendición a Bush Jr. incluída cuando fueron homenajeados en el Hall of Fame). A lo que había que unir al magnífico y brutal Dee Dee, principal compositor, un yonki de lo más salvaje que guardaba a un rapero en su interior, impagables sus anécdotas con su ex-novia Connie y la lista de baterías: Tommy, Marky, Ritchie (con el que hacían el mismo set en 2 minutos y medio menos). Personajes todos ellos.

Peleas en el escenario, la grabación del End of the Century (Álbum) con Phil Spector, su viaje a Londres donde fueron recibidos como auténticas estrellas. Momentos de intimidad con Joey (1.98 metros de auténtica actitud pero también de enfermiza timidez, con graves problemas de visión, afectado de un trastorno obsesivo-compulsivo, con todos los ingredientes para ser un marginal en la sociedad americana, vaya) y con un Dee Dee que ya estaba dando su últimos coletazos en el mundo de los vivos que contrastan con la frialdad y seriedad de un Jonnhy Ramone de fuertes convicciones.

Todo esto y mucho más, incluído el origen de la canción “The KKK took my Baby Away”, los 20 años sin hablarse entre Jonnhy y Joey, el análisis del guitarrista de la competencia en el CBGB: En End Of A Century: The Story of The Ramones.

Entre los múltiples y célebres entrevistados cabe destacar a un Joe Strummer en su última entrevista antes de morir, ya se le veía algo afectado a este granaíno de adopción (del documental sobre su persona hablaremos en próximos episodios).

“Ya sabes, son los RAMONES, ellos saben lo que es el Rock And Roll” Palabra de Lemmy.

Crudeza y humanidad, imprescindible.

Por Med Vega (1,2,3,4)

FanCine. Lynch - Es un mundo extraño ¿verdad?

Así es, vivimos en un mundo extraño, raro de cojones, un mundo donde el señor de los deportes, un caballero de eterna sonrisa es además un bailarín sin parangón. Un mundo donde los "ídolos musicales" se eligen por sufragio cósmico mediante SMS, un mundo donde el serial del momento consiste en un médico con muy mala leche que escupe ingeniosos e irónicos improperios a sus pacientes sin importarle que se estén muriendo de SIDA. Me gustaría ese mismo formato pero sustituiría al señor doctor por un camionero o un bombero y llamaría a esa serie Bakala, por ser más cañera.
Pero claro esto no siempre fue así, a principios de los noventa, paralelamente al nacimiento de la televisión amiga, la serie del momento era Twin Peaks y cuyo responsable es el señor que nos ocupa.

David Lynch, nacido en Montana en 1946, director, actor ocasional, pintor, compositor de blues industrial y decorador de interiores. Una alimaña que sin duda es uno de los creadores más originales de la historia del cine. Si Scorsese representa al creador que posee una gran cultura cinematográfica y eso se deja ver claramente en su cine, Lynch sería el amante de la pintura, capaz de plasmar en sus cintas técnicas pictóricas para crear atmósferas, ambientes y sensaciones.

Filmografía destacada:

· Eraserhead (Cabeza borradora) (1977). Hay cosas que sólo deben expresarse mediante imágenes, dudo que las palabras puedan explicar mejor lo que se esconde en el subconsciente. Eraserhead es una maldita pesadilla, un viaje por el subconsciente de un personaje muy jodido, interpretado por uno de los fijos de Lynch, John Nance.
Sin duda una película de culto de las que se ama o se odia, con gran fuerza en cada unas de sus imágenes, escalofriante puesta en escena en blanco y negro. Surrealista y abstracta cuenta la historia (si puede llamarse así) de Henry, un muchacho tímido, que verá truncada la estabilidad de su vida al ser padre de un niño monstruoso.
Difícil de ver, más aún de asimilar, Lynch debutó con un pulso al espectador. Una película que golpea con la fuerza de un tren.

· The Elephant Man (El hombre elefante) (1980). Eraserhead se convirtió en un éxito como película de madrugada, el boca a boca llegó hasta la industria de Hollywood y un valiente Mel Brooks decidió apoyar y producir el próximo proyecto de Lynch, El Hombre elefante, drama basado en un hecho real, que trata de la difícil existencia de un señor con deformidades físicas que le llevan a ser exhibido en un circo primero y ante atónitos médicos después. Buenas actuaciones de Anthony Hopkins y John Hurt. Fue nominada a 8 oscars y no se llevó ninguna, quizás la sobriedad del blanco y negro y las maneras de Lynch le restaban sentimentalismo al film (el sentimentalismo es eso que le gusta a los académicos que premian cosas como Una mente maravillosa o pasteles de ese calibre) o quizás quien da esos premios simplemente es imbécil y Lynch será otro caso como los de Kubrick o Hitchcock. Lo que sí es cierto es que El Hombre elefante es un clásico de calidad, una hermosa película y en ese caso el premio es para el espectador, ¿qué más dará el resto?

· Dune (1984), las nominaciones a los oscars le facilitaron la ofertas de trabajo, entre ellas una del señor Lucas para que dirigiese El Retorno del Jedi, Lynch declinó la oferta y se decantó por Dune, basada en una conocida serie de novelas de ciencia-ficción. Lynch no tuvo control sobre el montaje, tenía que cumplir con ciertas exigencias como la duración de la película (2 horas y 17 minutos) y veía suprimidas muchas de sus escenas. La densidad de la historia y la desorbitada cantidad de personajes la hacen difícil de seguir para gente que desconozca (como yo) las novelas. Hoy día seguramente se hubiese hecho una trilogía y todos tan contentos.
No obstante no es tan mala como la suelen poner.
Mención aparte merece la curiosa y conseguida banda sonora, a cargo de Brian Eno, Daniel Lanois y Toto.

· Blue Velvet (Terciopelo azul) (1986), junto con Carretera perdida sus dos grandes obras de arte bajo mi punto de vista. Un chaval (Kyle MacLachlan) encuentra una oreja humana cercenada entre los arbustos de un jardín y comienza así un intrigante viaje a un mundo más oscuro. Fascinante, extraña, personal, con una elegante escena inicial que atrapa al espectador. Sería la primera colaboración con Angelo Badalamenti, pianista que desde ese mismo momento se convertiría en cómplice de su obra. Badalamenti, que era acompañante musical de Shirley Bassey, teje una partitura genial que le va a la perfección a la cinta, además del uso de Blue Velvet de Bobby Vinton, como no podía ser de otra manera. Buenas interpretaciones de MacLachlan, Laura Dern y sobre todo una Isabella Rosellini al servicio de un inspirado Lynch, que volvería a ser nominado, el premio se lo llevaría Oliver Stone, para gustos colores y helados de todos los sabores...

Hay quien la verá como un film efectista, subordinada a las buenas maneras de un indiscutible gran realizador, pero vacía, nada más lejos de la realidad, ármense de paciencia, pongan de su parte, no le exijan a la obra su esencia y déjense seducir por una de las exquisiteces más inquietantes de los 80.. bluer than velvet was the night..


· Twin Peaks (Serie de televisión). Emitida entre el año 1990 y el 91, se dividía en 29 episodios más un episodio piloto previo que es más grande que la vida.
¿Quién mató a Laura Palmer? Y media España enganchada a la tele amiga durante una temporada y media. Twin Peaks era un pueblo de lo más apacible a simple vista, la tranquilidad del pueblo se ve azotada al aparecer muerta la “agradable” Laura (toma homenaje a Otto Preminger) envuelta en plástico. El agente del FBI Dale Cooper (MacLachlan) es enviado a la zona para investigar el suceso.
Lynch se adentró en el mundo de la televisión porque era un medio donde podía llevar al extremo sus formas y sus inquietudes, a esto hay que sumarle el talento de Mark Frost, el otro creador del fenómeno Peaks, que ya tenía experiencia en TV gracias a Canción Triste de Hill Street.
Lynch apenas dirigió unos 6 episodios de la serie, contando el Piloto, el 2, 8, 9 14 y el 29, dejó en manos de directores invitados esta labor, entre los que llama la atención Diane Keaton. Que no estuviese tras las cámaras no quiere decir que no tuviese control sobre lo que allí se hacía, ni mucho menos.
Es cierto que una parte de la segunda temporada bajó algo la calidad de la misma, entre el episodio 17 y el 23 Lynch se centró en Corazón Salvaje y coincidió con los episodios más flojos, pero no quiere decir que la serie se volviera vulgar o se enrareciese más de la cuenta, pero quizás este bajón y junto con los cambios de horario que la TV suele hacerle a estas producciones motivó un descenso de la audiencia.

Grandes actuaciones, me quedo como no con la de MacLachlan, pero gran labor de Michael Ontkean (el sheriff), Sherilyn Fenn (la hija del dueño del hotel), el padre de Laura (Ray Wise) y un largo etcétera. También resultan curiosas las apariciones de un David Duchovny travestido, una joven Heather Graham, el propio Lynch como el sordo superior de Cooper y la de Billy Zane (el malo del Titanic de James Cameron, aunque más malo fue el iceberg).

Una creación más que recomendada, un cuento que enamorará al más incrédulo. Degusten el Piloto y cuando estén hipnotizados verán la televisión con otros ojos, Prison Break, House, no sé qué de Gray, sandeces...
No creo que sea ni siquiera necesario hablar de su banda sonora, tan hipnótica o más que la propia serie, gracias Badalamenti.

Por último quiero volver al tema del marketing ya que aunque engancho a mucha gente el famoso eslogan fue también uno de los causantes del fin de la serie, Twin Peaks no trata sobre la resolución de un caso de asesinato, va más allá, es un universo de misterios y eso pudo causar que la audiencia una vez conocido el asesino se quedase saciada (allá por el episodio 16, aunque se conocía desde el 14, creo recordar).

· Wild at Heart (Corazón Salvaje) (1990), fue galardonada con la palma de oro en Cannes y aunque es una película interesante, yo la considero bastante floja.
La mezcla de Elvis, el mago de Oz, un amor shakesperiano, la aparición de Willem Dafoe (está genial) la hacen estimulante pero sale muy cara la penosa y sobreactuada ¿actuación? de Nicolas Cage, no sabes actuar tío, eres un enchufado y siempre lo serás y no te soporto.
Sailor tiene un permiso carcelario y quiere ir a ver a Lula (Laura Dern), la madre de esta se opone a la relación y contrata a un asesino a sueldo para liquidar a Nicolas Cage, no es que la suegra le odie (que yo sí) pero Sailor sabe lo que ocurrió realmente con el asesinato del padre de su novia, en el cual esta involucrada la señora de la casa. En el viaje– huida de la pareja se encuentran con todo tipo de personajes y situaciones. Un 6 sobre 10, con algún que otro buen momento pero para nada una película grandiosa que merezca una palme d’or.


· Twin Peaks: Fire Walk With Me (Twin Peaks: fuego camina conmigo) (1992), el éxito de la serie motivó esta precuela que si bien no explica todos los cabos que quedaron sueltos tras el fin de Twin Peaks si ata otros, lo cual es de agradecer. La película se centra en los últimos días de vida de Laura Palmer y aunque los personajes sean familiares y la trama sea la mismo hay algo que ya no es lo que era, ese “algo” que hacía que la serie pudiese provocar hipnosis ha muerto o quizás ha sido asesinado por el propio David Lynch.
Curiosas apariciones de Bowie y Chris Isaak (convertido en estrella por la inclusión de Wicked Game en la banda sonora de Corazón Salvaje) y con algunos momentos muy buenos pero con otros del todo innecesarios que la alargan en exceso perjudicando el juego con el espectador. IMPRESCINDIBLE ver la serie completa antes que la película, es una precuela pero jodería mucho verla antes, tampoco recomiendo su visionado tras conocer al asesino de Laura Palmer, eso no vale.

· Lost Highway (Carretera Perdida) (1997), una obra de arte, una rayada, pero de nuevo sugerente, seductora, perturbadora, un ejercicio de CINE, con un inicio que te obligará a vigilar tus espaldas. Durante los 45 primeros minutos es una obra coherente y donde el terror psicológico es aplastante, a partir de la segunda mitad Lynch enseña pero no explica, ¿argumento? ¡Que más da!, imágenes, música, sensaciones, EMOCIONES. Lynch es el mayor creador de ambientes de la historia del cine, es su fuerza y no es el guión o la historia la que hace a sus películas poderosas, provocadoras, ORIGINALES. No pienso decir nada sobre de qué va, tan sólo mencionar a Michael Haneke y a su película Caché que roba-homenajea-se inspira en el comienzo de Carretera Perdida.
La banda sonora es un ejemplo de fuerza, carácter y saber utilizarlo, a cargo de Badalamenti y con las colaboraciones de Bowie y Trent Reznor (Nine Inch Nails).

Para muchos un engaño, un truño o lo puto peor, para el que escribe una jodida: MARAVILLA.

· The Straight Story (Una Historia Verdadera) (1999), tras el subidón de Lost Highway David volvió con una proposición más asequible y relajada. Inspirado en una noticia real, Lynch lleva aa la pantalla el viaje que realizo Alvin Straight (el título es un simple juego de palabras) a sus 73 años desde Iowa a Wisconsin (570Km) en su cortadora de césped para visitar a su hermano, que se encuentra en un estado grave de salud y con el cual lleva unos 10 años sin hablarse, parece simple ¿verdad? no queridos amiguitos míos, el amor no es nada simple y en una película de Lynch no nos lo iban a mostrar como sólo un viejo montado en su tractor.
Richard Farnsworth recrea a la perfección su personaje, creando una empatía no sólo con todo aquel que se encuentra a lo largo de su viaje sino además con los espectadores. Farnsworth se suicidó de un certero disparo tras habérsele diagnosticado un cáncer terminal. Tenía 80 años. Fue nominado al oscar por esta interpretación pero se lo llevó Kevin Spacey por American Beauty.

· Mulholland Drive (eso mismo) (2001), en un principio iba a ser una serie pero la ABC rechazó el proyecto y Canal + (Francia) invirtió para convertirla en un largo. Todo lo dicho sobre Carretera Perdida puede ser extensible a Mulholland Drive, en el sentido de que no nos ofrecen un film convencional, con un guión y una trama claros, se le brinda al espectador la responsabilidad de interpretar lo que se le ofrece, esto puede parecer el camino fácil de la expresión artística, pasar el balón, pero ¿acaso un buen cuadro necesita explicación? Superficialmente sólo el poderío, la puesta en escena y la belleza de las imágenes justifican la película, pero como siempre en el universo Lynch hay un más allá. No sólo hay un par de escenas eróticas memorables en Mulholland Drive, las historias paralelas, la doble personalidad de los personajes (cosa muy común en los sueños que todos tenemos), podríamos encontrarnos con la película definitiva que retrata el onírico mundo de los sueños.
Si alguien le dice que la entiende por completo, huya, eso sí comprueben antes de echar a correr despavorido si ese sujeto porta gafas de pasta, de ser así comprobará que es un embustero listillo.
Lo cual me recuerda al señor Allen que en toda su filmografía no ha conseguido rodar tanto cine como en unos cuantos minutos de Lost Highway, Blue Velvet o la más reciente Mulholland Drive. El señor bajito, un reputado guionista (No ha habido un guión bueno y original desde Pulp Fiction) podría representar el antagonista al Cine de Lynch. Ingenio contra Inteligencia, Talento contra Genio, Guión vs. Imagen. Eso sí, la Última noche de Boris Grushenko es una gran película, aunque 1 de cada 60 no es un porcentaje para estar orgulloso. Esto es una opinión personal que merece tantas piedras como flores.
Volviendo a la película, la elegancia y el humor negro la hacen mucho más digerible que propuestas como Eraserhead, pero no es cine de palomitas. No obstante el propio Lynch dió una lista de 10 pistas para comprenderla mejor o para hacerse una ligera idea de lo que trata. Así que si tiene dudas acuda al Google o a la Wikipedia, estoy convencido de que si introduces: "¿encontraré el amor? o ¿tengo futuro laboral?" en el buscador obtendrás respuesta. Ánimo muchachos.
Como curiosidad destacar que Lynch fue nominado como mejor director pero no lo fue la película. Los cachondos de la academia tampoco deben de entender ni papa. El oscar se lo llevaría Ron Howard por "Una mente maravillosa", posiblemente el peor director de cine del mundo con fama.

· INLAND EMPIRE (en mayúsculas tal cual) (2006), la brillante distribución en los cines de España, tan sólo 20 copias, el estreno más cercano a las tierras andaluzas se ha producido en Madrid y que la mula sólo me baja porno o películas de Joseph L. Mankiewicz (esto me tiene intrigado) bajo el título de "INLAND EMPIRE spanish" me ha dificultado el visionado de la misma, pero el idioma no va a ser problema, el propio Lynch ante los rumores de que Coppola va hacer una precuela de El Padrino en siciliano (sobre los abuelos de Don Vitto), de que Allen va a rodar en catalán o español su próximo proyecto, ha afirmado que va a realizar un remake de su última producción en esperanto para que la gente no se raye con interpretaciones banales. Lynch da una nueva vuelta de tuerca y nos ofrece otro espectáculo interactivo, tres horas de magia cinematográfica, tan sólo en su primer tercio presenta un argumento claro y aunque es bastante interesante, dos actores comienzan a trabajar en una película maldita y luego ¡ZAS! nada de coherencia, sólo un absurdo (que no estúpido) viaje a un mundo dentro de otro mundo. Un ejercicio arriesgado y personal, un sentido homenaje al Séptimo Arte.
Lost Highway y Mulholland Drive son ríos que desembocan en el mar de INLAND EMPIRE, que puede convertirse en la más amada o la más odiada del último genio del cine. Personalmente me posicionaré con más convencimiento en cuanto la vea 3 ó 4 veces más pero todo apunta a que estamos ante una de las películas básicas, esenciales, dignas de estudio para entender lo que es el CINE.

David Lynch, genio y figura, es al cine lo que Can es a la música, pero vivito y coleando (a pesar de que mi buen amigo Zeta quisiera asesinarlo hace no mucho). Para aquellos que le exijan al cine algo más que entretenimiento, no todo va a ser comedias que reducen la inteligencia del espectador al mínimo común denominador, nada más apropiado que Mr. Lynch. Rock and Roll Baby.

Med Vega ("Pissing in a River")

FanCine: PARA BIEN O PARA MAL. WOODY ALLEN

PARA BIEN

Infumables VS incunables. Perdonen que afirme que la duda ofende y nos rebaja a unos niveles de mediocridad inauditos hasta para nosotros, no caigamos en los mismos errores y niveles de casposidad de los yankees. Estamos de acuerdo en que un gran director no es, a parte de un actor sin registros y sólo reseñable en gran medida como guionista, pero es un todo muy extenso, vale pero hay que observarlo como un todo aún así, como esos trípticos contemporáneos que por separado no dicen mucho pero en su conjunto… bueno vale, tampoco dicen mucho pero tienes más donde escarbar y más material para acertar. Entiendo y comprendo que mi opinión os puede resultar poco objetiva pero apropiándome de una idea del gran Allen “la objetividad es subjetiva”; pero no se puede ver una cinta como “Todo lo Demás “ a continuación visionar “Acordes y Desacuerdos” y sentenciar que disfruta de golpes de suerte, no hay que pensar que es el final de una película sino la continuación de su obra, y si algo posee Woody es la capacidad de sorprender cuando se presupone el fin de su carrera. La capacidad tan insultante de recrear las relaciones amorosas sin esconder el instinto animal en que se basan maquilladas en parafraseadas de una elocuencia desbordante, con hilaridad disfrazada, cosa que en la vieja Europa se ha sabido interpretar con mayor aceptación que en el basto, extenso y acartonado país que lo vio nacer, para ellos como para su madre mejor le hubiera valido montar una Farmacia, desde luego habría ganado más dinero. Invito a la revisión de obras como “Días de Radio”, “Balas Sobre Broadway” con un deslumbrante John Cusack, “Annie Hall” donde reprenda una de sus facetas mas controvertidas sin entrar a valorarlo, y un largo etcétera agradeciendole unas cuantas sesiones de psiquiatra que nos puede ahorrar, con clases magistrales incluidas en “Sueños de un Seductor” con la ayuda inestimable del gran ausente Humphrey Bogart, en esencia, no en presencia. Guiones de un genio fuera de la botella, de un contenido enorme que las mentalidades menos desengrasadas no puede evitar arcadas contra él y su prosa sin censura y desalmibarada. Presten atención a su crítica religiosa, más aún con la hebrea mamada desde la cuna que con las restantes, o sus guiños ácidos contra el Tercer Reich. No hace falta ir a una escuela de cine para convertirte en un referente pero sí para personificarte en el proscrito por antonomasia de Hollywood; no tendrá la fotografía de Bergman o la dirección de Coppola, pero posee algo que escasea sobre todo hoy en día en el cine moderno, un flujo inagotable capaz de sorprender después de 40 cintas y una más, consiguiendo que los críticos no logren ponerse de acuerdo para “desvelarnos” su mejor título. Os doy un consejo, disfrutarlo en toda su extensión. Así hablo Zaratustra , See you Later, Alligátor.

Barrabas

PARA MAL

Disfrutar, lo que se dice disfrutar, a ratos. Siendo esto una apreciación personal e intransferible. No le tengo al sr. Allen un odio irracional, eso sí, me parece que con una carrera tan extensa sólo ha parido tres grandes películas, la absurda, desternillante y por lo visto irrepetible "La última noche de Boris Grushenko", la notable "Annie Hall" y la tierna "Poderosa Afrodita". Esto unido a la sobrevaloradísima Manhattan convierte la existencia del pequeño gafapasta en un ligero incordio, como cuando te pica una pierna y te has roto los dos brazos. Que no es un gran director lo comparte hasta mi compañero, estamos hablando de Allen, no es Kubrick y no es Kurosawa. ¿Pero hay qué ser el más grande para hacer las cosas bien? Por supuesto que no.
Tampoco le pido que reinvente el Cine. Pero cuando la fórmula se repite más que los redactores del Popular1, cansa y yo soy más rutero. Esta afirmación puede ser hoy día discutible, no me refiero a lo de leer el ruta, pues con Match Point hay un cambio de tercio enorme. Vale, pero Match Point es una idea cachonda sacada de un libro de Dostoievski y para rematar (o volear) el guión es más bien flojo y el argumento no aporta nada que no apareciese ya en “Un lugar en el sol”, película de los años 50 con Montgomery Clift (guión y argumento no son la misma cosa).
En que como actor posee un registro más que limitado también estamos de acuerdo, pues bien, ¿70 años viviendo contigo mismo y no te das cuenta? Me cae simpático como actorcete, pero aunque como recurso cinematográfico tenga fundamento no aporta nada que se encabezone en protagonizar una y otra vez historias donde las mujeres le den calabazas forzándole a lanzar ingeniosos comentarios, pardiez. Carajo, protagoniza una serie, no la llames Sexo en Nueva York y deja a los directores de verdad hacer su trabajo.
Manhattan puede ser una de las películas más sobrevaloradas de la historia del cine, ¿será el título? ¿qué es en blanco y negro? Tiene diálogos ingeniosos como las cientos de películas de este señor, pero recomiendo que los escuches con atención, no hay carcajadas, así que atiende....mmm que pretencioso, ¿no crees? intelectualoide, soberbio, burgués, pero también anodina, fingir que esta película es un discurso existencialista o una crítica social es un insulto. Sólo sirve para que 4 acomodados neoyorquinos presuman de posición, no hay acidez más allá del estómago. A pesar de la velocidad de los diálogos, la cinta no posee ritmo. ¿Quieres ritmo, diálogos frescos y un gran guión? Pulp Fiction.
Si para apreciar una película hay que ver toda la filmografía de este señor. Apaga y vámonos. El arte como conjunto tiene su punto pero si algo no te resulta atractivo, hipnótico, disfrutable, entretenido por sí solo es que algo falla. Es el eterno engaño, si no has leído el libro, dudo que te guste la película que se dice. Pues eso es una pollada como una fabada de almendras, si la película es un truño lo será leas o no el libro, veas sus 15 películas anteriores o no. Para guiños a sus fans, Alonso Caparrós.
No es un genio. Es ingenioso. El cine por definición es una unión en perfecta armonía de imágenes en movimiento, el guión es una herramienta más, no es mucho más importante que el montaje, la puesta en escena o la música. Por ello la "maestría" de Woody me resulta más que discutible. Para proscritos Buñuel y Orson Welles.
Como último apunte, si alguien se mete con mi amigo por ser defensor de Woody Allen se las tendrá que ver conmigo antes.
Si por el contrario se quieren meter conmigo, manden un SMS al 8495 con la palabra JOPUTA y recibirán un sonitono de un servidor llorando. Con lo de servidor me refiero a mi, no al servidor proxy más cercano.

Med Vega (kick against the tetra-brick)

SERIE B fanzine se traslada. 4ª PARTE: Artículos

the FEARLESS FREAKS
Director: Bradley Beesly-
Documental de Música protagonizado por the Flaming Lips (2005)

A día de hoy este documental no ha llegado a España. Es por ello que la única forma de verlo es vía e-mule y en versión original. No sé si algún día será comercializado en nuestro país pero, vaya si merece la pena, desde luego.



Bradley Beesly es uno de los directores más prometedores del underground americano a día de hoy, y ya está cosechando excelentes críticas con sus distintos trabajos. Casualmente, este joven de Oklahoma creció con sus cámaras en un barrio en que otros jóvenes como él empezaban a desarrollar otra faceta artística, pero en este caso musical, no eran otros que los Flaming Lips.

A lo largo de su emergente carrera dentro del indie americano, Beesly se encargó de poner imágenes a la música de la banda de los hermanos Coyne, realizando para ellos todos sus clips. Además la gran amistad surgida llevó en numerosas ocasiones al director a acompañar al cuarteto en sus distintas giras, sin soltar en ningún momento una cámara con la que ser testigo de sus disparatados "lives" y de jugosas declaraciones.

Pues bien, el pasado 2005 y aprovechando el parón del grupo antes de editar "At war with the mystics", y en el momento de máxima popularidad de los flaming lips en el mundo salió al mercado americano este dvd documental de bella factura.
El director hace un recorrido más o menos cronológico de la trayectoria de la banda, partiendo de sus inicios en una ciudad como Oklahoma.

La cinta arranca con el simpático Wayne Coyne charlando con los vecinos de su barrio, y más tarde lo hará jugando con los niños que viven en su misma manzana. Aparecen imágenes de la casa donde crecieron los hermanos Coyne, intervienen los padres, esposas y hermanos de los componentes, contribuyendo a humanizar la imagen de un grupo que si se caracteriza por algo es por no parecer de este planeta.
Impagables los incendiarios (literalmente) shows de su primera etapa con Mark Coyne (el menor de los hermanos) al micrófono. Así como las imágenes de Wayne en el restaurante donde trabajó de niño, convertido en la actualidad en un local de comida vietnamita.

Es resaltable el ritmo con el que el director conduce el vídeo, sin lugar a dudas es el documental que toda banda quisiera tener, no es necesario tener al lado a un Scorsese para conseguir una cinta impactante como esta. Contiene tantas anécdotas y tantos buenos momentos que es difícil destacar unos sobre otros, siempre con la música jugando un papel central, divertido y emocionante según sea necesario. Como emocionantes son las imágenes en que el multiinstrumentista Steven Drozd, presentado como el verdadero genio que es de la historia de los Flaming, confiesa escalofriantemente a la cámara los secretos de su adicción a la heroína mientras prepara una dosis, intercalado con las emocionadas palabras de su mujer.

Las escenas del garaje donde llevan a cabo la performance "Zaireeka", los distintos elementos que componen sus sugestivos shows en la actualidad, el rodaje de la película "Christmas On Mars", etc.

Flaming Lips se ven en este vídeo fielmente representados, sin caer en el ombliguismo, y además el tratamiento de sus distintas personalidades es totalmente transparente o caricaturesco según el momento.
Su visualización no deja a nadie indiferente, al igual que ocurre con la música que acompaña sus 105 minutos. Para los fans de la banda supone un documento imprescindible para contextualizar sus discos (para completistas han lanzado también "VOID" un dvd con todos sus clips desde el 92), y para quienes no acaban de creer en su magia la mejor forma de descubrir desde dentro a una de los grupos más originales de los últimos años.

Sithbass.
Ilustración: Zeta




ROBERT de NIRO
YOU TALKIN´ TO ME?

Quizás no es el más grande, al menos no tanto como Brando, quizás no es el actor con más talento, tampoco es James Stewart, pero sin duda es uno de los “elegidos”, tocado por una estrella especial y capaz de ponerse en cualquier rol que se le exija con una solvencia espectacular.

Robert de Niro, neoyorquino nacido el 17 de agosto de 1943 e hijo de pintores (arte que también ha tocado y con más suerte que nuestro Alejandrito). Y aquí acaba la parte wikipédica del artículo.

Al bueno de Robert le pasa como a muchos grandes actores, músicos o cualquiera que se atreva a realizar cualquier tipo de expresión artística a lo largo de varias décadas y es que sí contamos sus grandes películas y sus malas películas ganan las segundas. Además sus últimos papeles están interpretados a medio gas, cansado, sabiéndose que con un par de sus tics de toda la vida se gana al respetable y unos cuantos dólares (como Zidane). Eso sí, no ha caído a un nivel tan bajo como por ejemplo Stevie Wonder. Me pregunto qué ha pasado con el genio de "Innervisions" y "Song in the key of life" durante este tiempo y qué le lleva a hacer las cosas que hace hoy día.

Pero vuelvo a de Niro y al gran de Niro, el que se forjó desde "Malas Calles" hasta "Casino". No sé con exactitud cuál es su primera película, apareció como extra en la cinta francesa "Trois chambres à Manhattan". Con Francia vive una relación muy especial pues fue acusado en 1998 por un caso de prostitución en París y juró no volver a pisar jamás dicho país. El caso es que sus inicios son difusos, hizo muchos papeles sin repercusión hasta que ganó algo de presencia en "Muerte de un jugador" lo que le llevó a protagonizar "Malas calles" junto con Harvey Keitel y bajo las órdenes de Martin Scorsese, que tras esta película se convertiría en su principal valedor, su amigo e incluso mentor. Tenía 30 años (era actor profesional desde los 16) y tras una sucesión de pequeños papeles y de trabajos en musicales de Broadway encontró el norte.

Entre los 70 y los 80 se encuentran sus mejores interpretaciones y películas. Tras "Malas calles" da vida al joven Vito Corleone en la imprescindible y una de las más grandes e inolvidables de todos los tiempos, "El Padrino II". Actuación que le fue recompensada con un oscar como actor de reparto, lo que convierte a don Vito en el personaje más premiado con la dichosa estatuilla (ya se lo llevó cuando tenía la Clase y la cara de Marlon Brando). Con Francis Ford Coppola su colaboración ha seguido desde entonces ya que juntos poseen varios restaurantes italianos en Nueva York.
Tras el pelotazo y reconocimiento que le supuso "El Padrino II" encadenó dos protagonistas fundamentales del cine de los 70, lo que le valió dos nuevas nominaciones. Estas fueron "Taxi Driver" (1976) y "El Cazador" (1978).
En "Taxi Driver", también de Scorsese, se pone en la piel de Travis Bickle, excombatiente en Vietnam que poseído por el insomnio decide hacerse taxista en horario nocturno para sacarse un sueldecito.

El progresivo aislamiento social que padece y el contacto con las peores calles de Nueva York le llevan a la alienación y al envilecimiento. Travis decide que su propia redención y enfrentarse a la violencia con la violencia es el camino que ha de tomar. Irónicamente esta actitud le lleva a conseguir ese reconocimiento por parte de la sociedad. Aunque la sombra de la soledad es muy alargada. De Niro está majestuoso en esta obra, en ella realiza un monólogo que ha pasado a la historia y que ha sido imitado hasta la saciedad. Scorsese realizó, en mi opinión, su mejor película armado con poderosas fuerzas: una elegante banda sonora, un guión directo y eficaz, una sobria puesta en escena y un de Niro único.
En "El Cazador" de Michael Cimino vuelve a ser un hombre cuyo paso por Vietnam ha dejado tocado, aunque a otros niveles. Una película sobre la amistad y la crudeza de la guerra, su interpretación es perfecta con un gran Christopher Walken dándole la réplica.

En 1980 y de nuevo junto a Martin Scorsese llega "Toro Salvaje", a la tercera va la vencida y se lleva el oscar como protagonista. Lo primero que nadie pasa por alto es que para encarnar a Jake La Motta, de Niro tuvo que engordar cerca de 30 kilos después de haber convertido su cuerpo en el de un atlético boxeador (llegó a participar en 3 combates profesionales, ganando 2). Scorsese vuelve a retratar (como en la mayoría de sus películas) el ascenso y caída a los infiernos del ser humano. El guión es soberbio y a la altura de de Niro que sabe hacer suyos los problemas psicológicos de la Motta. Si "Taxi Driver" es la mejor película de Scorsese, "Toro Salvaje" es la mejor realizada. El montaje, el guión, la banda sonora, la fotografía y los interpretes se conjugan para dar como resultado un exponente de talento y calidad. De Niro tuvo como compañero por primera vez al pequeño gran Joe Pesci.
A partir de 1983 de Niro deja florecer su vena cómica, en este año protagoniza junto a Jerry Lewis "El rey de la comedia", también de Scorsese, demostrando que el cambio de tercio le sienta muy bien. Volvería por estos derroteros en la británica "Brazil" del python Terry Gilliam aunque su participación en esta cruel comedia futurista es pequeña, es inolvidable al mismo tiempo. Más recientemente gracias a la comedia es como más se deja ver con títulos como "Una terapia peligrosa" o "Los padres de ella", y sus respectivas secuelas. Una efectiva y cómoda forma de ganarse los cuartos.

Otro de esos papeles que tengo grabados en mi alma fue el que interpretó en "Érase una vez en America" de Sergio Leone. La épica y mastodóntica última producción del gigante italiano, más conocido por sus spaguetti westerns pero que con esta perla dejo su más maravilloso legado. Hermosa, triste, impactante, un rato larga pero intensa y que transmite sentimientos en cada plano. Junto a de Niro, James Woods hace su mejor papel y Morricone compone unas notas de gran belleza. Un 10.
Continuó el neoyorquino con "La Misión". nuevamente bordando su papel. Pese a que la calidad de la cinta es bantante inferior a las grandes obras maestras que llevaba protagonizando.
"Los intocables de Elliot Ness", donde se convierte en Al Capone es una entretenida y efectista película de Brian de Palma, interesante. Recientemente De Palma consideró hacer una precuela y quiso contar con de Niro para encarnar nuevamente a Capone. De Niro le respondió que con 60 años no se veía capaz de interpretar un papel de adolescente y para el que ya en 1987 era mayor.
En 1988 protagoniza "Huida a medianoche", una divertida road movie con un acertado ritmo, tal y como yo lo veo la mejor comedia en la que ha participado.
A principios de los noventa volvío a ser nominado a los oscar, por "El Cabo del Miedo", remake de El Cabo del Terror, dirigido por Scorsese y por su aparición en "Despertares".
En "El Cabo del Miedo" se convierte en Max Cady el mal (si es que existe), un personaje directamente influenciado por el predicador Powell de "La Noche del Cazador "(que intrepetó Robert Mitchum, al igual que en el Cabo del Terror).
"Despertares" no es santo de mi devoción precisamente pero es el típico drama que tanto gusta en los Estados Unidos, además participaba en el film Robin Williams, un ser al que odio sin motivo, pero es odio al fin y al cabo y es un sentimiento respetable... o no. En fin, una película de esas de superación personal y tal y tal...

Gracias a Scorsese y dando vida a papeles de mafioso realiza sus dos últimos grandes papeles "Uno de los nuestros" y "Casino".
Dos películas muy grandes y en un primer vistazo similares pero la perspectiva cambia y mucho de una a otra. En "Uno de los nuestros", de Niro permanece en un segundo plano, al servicio de la narración. En esta el protagonista no es el tipo más duro ni el más listo del barrio, es un chaval con ambiciones y algo torpe (Ray Liotta). En "Casino", de Niro vuelve a erigirse eje fundamental de la narración y junto con la estética y el atropellado ritmo de la cinta llena la pantalla. Mención a parte para los grandes momentos que protagoniza Pesci en ambas. Imprescindibles.
Desde entonces y pese a participar en decenas de películas se ha dedicado a vivir de su cara y aunque en algunas sorprenda un cambio de registro (como con "Jackie Brown" de Quentin Tarantino) la verdad es que en todas ellas queda un sabor como de insatisfacción, de ver lo que se fue y lo que ya no se es, poseer talento y no usarlo.
Con su debut en la dirección allá por el 93 parecía que podía iniciar otra triunfal carrera. "Una historia del Bronx", escrita por el actor Chazz Palmintieri (tan grande como desaprovechado), donde se pueden observar sutilezas y maneras heredadas de Leone y sobre todo Scorsese (la voz en off, el montaje...), pero sin las pretensiones de estos realizadores, realizada con mucha humildad pero consiguiendo grandes resultados. De Niro, como actor, aparece muy comedido y dando mayor protagonismo a su hijo en la ficción (recientemente acusado de asesinato de un policía, y esto no es ficción) y al fascinante Sonny (Palmintieri). Cameo de Pesci incluído, se quedó en un muy prometedor debut pero hasta la fecha no ha tenido continuación. Eso sí, Marlon Brando comentaba que obligó a de Niro a dirigir las escenas en las que el gigante aparecía ya que el director de "The Score" (Frank Oz) era según sus estimaciones un mentecato. Lo único que se salva de esta cinta es la presencia cara a cara de Robert y Marlon. Los dos Vito Corleone frente a frente.
Estas son las películas y las cosas que hacen que a de Niro le tenga cierta admiración, hubo un tiempo en que era un héroe para mí, pero ya no tengo héroes. Ahora podría decir: que si se ha divorciado dos veces, que si tiene dos hijos, que si sólo le gustan las mujeres de color (negro supongo, nunca me ha gustado esta expresión como si nosotros fuésemos transparentes), que si en 2003 le detectaron un cáncer de próstata... y cosas de esta índole, pero paso.


Med Vega (pasado de rosca)
Ilustración: Zeta

HUMOR: DEPORTIVO - ALBACETE : 2

Recepción-Buenos días.

Señor-Buenos días.

R-¿Es muy grande su crío verdad?

S-Sí, es verdad, ¿está grande eh?

R-Sí, es que ha entrado usted, ahí, con su crío, y me he dicho: ¡Vaya!¡Qué crío más grande! Oye, y me he dicho a mí mismo: Voy a decírselo. Y así lo he hecho.

S-Sí, es verdad, así lo ha hecho. Me lo ha dicho. Es curioso, no lo había pensado y sí, la verdad es que está muy grande mi hijo. Y se preguntará usted por qué está tan grande mi hijo.

R-Pues sí, la verdad es que me lo estaba preguntando ahora mismo.

S-¿Lo ve usted? Me lo temía.

R-Pues dígame, soy todo oídos.

S-¡Ah! Encantado, pues mire usted, yo venía aquí...con el chaval...que estábamos en casa y me ha dicho: ¡Oye, papá quiero ver el partido! Y me he dicho: pues allá que me voy con el nene, a por el billete y...eso es lo que quería, dos billetes para el partido, el del Deportivo.

R-Pues si me permite voy a ver.

S-Sí, por favor, desde luego.

R-Pues, veamos, sí, ya, muy bien.

S-Ah, sí? Pues dígame.

R-Esto...Sí, eh...pues no me aparece.

S-¿No? No me diga usted que no le aparece.

R-Sí, eh...no me aparece, he metido los datos aquí...en esto y no...la computadora dice que no hay billetes con esa descripción.

S-Pues me deja usted poco menos que patitieso.

R-Vaya hombre, no lo sabía.

S-Gracias. Entonces...dice usted que no tiene billetes para el Deportivo.

R-Pues no, no me aparece en el listado. Lo siento mucho eh?

S-¡No hombre!, ¡no lo sienta! ya lo siento yo.

R-De acuerdo.

S-Pues déme si es tan amable otros billetes. Unos así interesantes para el chaval ¿Sabe Usted?

R-Desde luego. Vamos a ver qué tenemos por aquí.

S-Vamos.

R-¡Vaya! ¡Mira hombre! Está hoy usted en su día de suerte.

S-No me diga usted.

R-Sí, sí, porque precisamente me han venido hace un rato un señor y su hijo, que no era tan grande como el suyo.

S-Gracias hombre, no me lo habían dicho nunca.

R-Pues lo que le decía, han venido a devolverme unos billetes que podrían interesarle.

S-Ah sí? No me diga. Y ¿de qué se trata?

R-Pues son 2 billetes para Albacete dentro de 10 minutos.

S-¿Sí? ¿Podría decirme si son de ida y vuelta?

R-Pues son sólo de ida.

S-Ah! Pues casi que mejor así.

R-¿Sí?

S-Sí, me los va a dar eh?

R-¿Sí? ¿le interesan?

S-Hombre, no especialmente, pero me atrae la idea, y al no ser de vuelta pues...me ha acabado usted de convencer.

R-Me alegro.

S-¿Cuánto es?¿Cuánto le debo?

R-Pues...como está usted en su día de suerte pues...se me va a olvidar cobrárselos. ¿Qué le parece?

S-Pues me parece fenomenal, muchas gracias.

R-De nada hombre.

S-Pues ya nos veremos otro día.

R-Pues sí, ¿porqué no?

S-Adiós.

Guión e ilustración: Sithbass

CHUCHO Y MERCROMINA
FIN DEL SEGUNDO EPISODIO


Al inicio de escritura de este dossier alegra recibir buenas noticias de algunos de los protagonistas de mi historia. Como ya habrán leído en la sección de entrevistas, los miembros de Mercromina y Chucho que pertenecieron hará más de una década a la mítica formación de los SURFIN' BICHOS, después de disolver sus respectivas bandas, deciden volver a realizar unirse para realizar algunas actuaciones en directo este mismo año. Destacada es su presencia entre otras fechas, en la presente edición del festival PRIMAVERA SOUND. Aunque a decir verdad, alegra a medias su regreso, no sólo porque no vayan a grabar juntos nuevo album, sino, y más importante casi, no sé si tendré la posibilidad de ver juntos en un escenario a Joaquin Pascual, Fernando Alfaro, Carlos Cuevas, José Manuel Mora e Isabel León. Sería un honor presenciar canciones como "Hermanos carnales", "Comida china y subfusiles", "Escocido", "Hey, Lázaro" o "Fuerte", o tantas otras. Ver mejorado su directo incluso por la experiencia que llevan acumulada.

Aunque he de decir que si tengo fijación por alguno de estos tres grupos, sin duda, me quedaría con el binomio Chucho/Mercromina, que tantos grandes momentos nos ha dado a algunos, que a diferencia de adorar a Los Planetas, teníamos a los de Albacete como banda sonora de nuestra adolescencia. Me viene a la cabeza un coche blanco muy particular y miles de hazañas...

Por ello, antes de que tuerza mi discurso, hablaré cronológicamente (dejando a un lado los sentimentalismos) sobre mi acercamiento a Chucho y Mercromina, o Mercromina y Chucho, que el orden da igual...

Cuando, allá por el 94, el mítico grupo SURFIN´BICHOS editó el genial "Amigo de las tormentas" su seno interno estaba seriamente dañado. Las relaciones entre Fernando Alfaro, letrista y compositor, y el resto de la banda eran cada vez más distantes. Así, de este modo deciden dar por cerrada la trayectoria de uno de los grupos más influyentes del pop español, de recorrido marcado por alegrías y sinsabores a medias. Habiendo sido uno de los grupos mejor valorados por crítica y público, uno de los precursores de la movida indie en España, terminaron con ellos las pobres ventas por un lado y el desgaste que supone la vida en la carretera a lo largo y ancho de la piel de toro por otro.

Hasta ese momento todo parecía indicar una pérdida definitiva e inevitable de la banda de Albacete, dejando huérfana a toda una minoritaria legión que había alabado sus pasos como si de su propia religión se tratase.

Lo que nadie imaginaba es que ese mismo año, los componentes restantes de los Surfin (Carlos Cuevas, Joaquin Pascual y J.M. Mora) iban a renacer con nuevo disco como Mercromina. Tímido y sutil, "Acrobacia" (Subterfuge, 95), abre una nueva senda para la nueva formación, con Carlos Sánchez como segunda guitarra y Pascual poniendo la voz. Estrecha senda, fuertemente deudora con su pasado, y que fue recibida casi con recelo por la crítica. Las continuas comparaciones con Surfin' Bichos se hacen odiosas, sobre todo y en este caso, cuando los mal parados son los ex-miembros de la extinta banda. Nada que ver con lo que vendría después.

Dos años más tarde, con "Hulahop" empiezan a hacerse más grandes. Cada vez más distanciados y personales, abriéndose paso con cortes de pop muy elegante, guitarras furiosas y leves experimentos con la electrónica. El susurro de Joaquín abre a su vez una nueva forma de "contar" historias en el panorama nacional.

Y justo ahora, cuando toda la atención miraba para otro lado, aparece de la nada, previa maqueta y Ep ("Sal Ep", Limbo-Starr, 96), el cerebro de los añorados Surfin´, Fernando Alfaro.Chucho, que así se llama el engendro, aterriza en el panorama indie (ya establecido definitivamente) con un album desgarrador, "78" (virgin,98). Acompañado de Javier Fernández y Juan Carlos Rodriguez, que provienen de la formación República Gorila, nos descubre una música que inquieta y aterra, pero que atrae. "78" es un disco triste, precioso, delicado, rabioso, infernal. En definitiva, los huérfanos fans a los que antes me refería completan de esta forma con chucho una pareja de padrastros inmejorables para seguir creyendo. Todo esto con un F. Alfaro líricamente hablando más crudo y críptico que nunca.

Lo sucedido hasta el momento no era suficiente para Mercromina, su potencial era mayor conforme iban ganando en experiencia, y con un Joaquín Pascual pletórico a la composición aparece, en 1999, la obra que les confirma, "Canciones de andar por casa" (con un quinto miembro al teclado, Enrique Borrajeros). 14 temas que, partiendo de un mismo supuesto horizonte, recorren tantos estilos y colores como les viene en gana. Bossa, Jazz, Lounge, Noise, Jungle...Mil estados de ánimo musicados con acierto, bien sea alumbrados por un sol radiante como gestados mirando la lluvia a través de una ventana. Además, contando con un single como "Evolution", convertido en himno generacional, que no permite duda alguna sobre el acierto melódico de la banda. El paso de gigante para Mercromina.

Muchos eran los que esperaban con ansiedad el segundo disco de Chucho, pero seguro que pocos, contados, los que hubieran previsto "Tejido de Felicidad", el disco más luminoso de Fernando Alfaro.Aquí se expone una mayor amplitud de miras también para Chucho. "Tejido de Felicidad" ofrece como novedad un mayor uso de la electrónica, una mejorada instrumentación (y orquestación), y sobre todo un optimismo no sólo musical, sino también lírico, puesto que hasta el momento ningún texto de Alfaro en su carrera había dejado espacio para lecturas tan vitales y esperanzadoras.

Claro que no todo va a ser una oda a la vida, en "Mi vida con fiebre", "Aguacero al infinito" o "Hamorambre" acechan todavía las sombras del autor.
Se evidencia que algo ha cambiado en la vida de Fernando Alfaro, quizás sea una nueva vida (el balbuceo de su primera hija con la también ex-surfin Isabel León despide el lote) la culpable de que éste sea el disco en el que la imagen de maldito del cantante se fundió con la del compositor maduro en que luego se convertiría, dando como resultado su obra maestra.
Enorme desde "Cirujano Patafísico" hasta "Perruzo".

Y justo cuando empezaba a pasarse el efecto creado por su Tejido (que se extendió con un Ep y una gira en formato triple, con un set acústicos, otro pop, y un bis punk), llegan noticias sobre un doble album para Chucho. Otra buena noticia.
Finalmente el proyectó deriva en algo menos convencional. "Los diarios de petróleo" es una obra casi conceptual que se basa en un album sencillo (Fragmento principal), al que acompañan tres Eps (Fragmento I, Fragmento II y Último Fragmento), cada uno con un tema del disco más cuatro inéditas. En total estamos hablando de 28 canciones en las que ningún rincón parece descuidado.

Los diarios es el Lp más ambicioso concebido por la banda, pero además también es el disco más reflexivo y melancólico de su carrera. Sincero como siempre, pero más gráfico que nunca, Alfaro deja aquí de lado sus retorcidas imágenes y recursos religiosos para descubrirse a cuerpo abierto, con sus temores, sus miedos, sus deudas pendientes, su inseguridad, su añoranza...

La sensación que queda tras su escucha es la de un grupo que ha alcanzado su techo musical, abarcando todos los colores posibles, con el mejor sonido de su carrera (de nuevo a los mandos Kaki Arkarazo) y de una cercanía que hace de Alfaro alguien cada vez más cercano y honesto.Grandes: "Abre todas las ventanas", "Cataratas de sueño", "De aire", "Y rompe la tormenta", "Visión rayos X", "Tocado, hundido", "Calígula en Río", "Mi padre".......


Tres años de silencio pasan hasta recibir nuevas noticias de Mercromina. Tras una primera crisis del grupo que apunto está de terminar con sus energías, y perdiendo por el camino la aportación a los teclados de Enrique B. para la gira, se reinventan en la composición ofreciendo un trabajo que supone el punto de inflexión en la trayectoria de los de Albacete. "Bingo", grabado en el refugio antiaéreo de Los Planetas por C. Hernández, es una colección de joyas a medio camino entre el post-rock y la banda sonora. Con ausencia de singles potenciales pero con un fondo musical como nunca antes habían creado. Con el feedback y el fuzz en primer plano de unos desarrollos protagonizados, eso sí, por la melodía. Puesto que, a pesar de toda la experimentación recogida en "Bingo", Mercromina no traiciona su pasado.


El último disco de Chucho se llama "Koniec", que en polaco significa fin.
Se puede considerar a estas alturas como nota irónica, pese a que su salida nadie lo aventurara como la última grabación del grupo. El equipo habitual (que se amplió en el 97 con Emilio Abengoza a los teclados y Miguel Ángel Gascón como segunda guitarra) se despide con un disco más directo, más estridente, con guitarras entre garajeras y sicodélicas, y con unas letras sin desperdicio. Porque de hecho, ahora que Chucho ya es historia, se adivina mucha ironía en los textos de Fernando Alfaro. Injustamente la crítica recibió el álbum con algo de frialdad, debido quizás a que se puede considerar el disco más difícil de la banda, aunque por otra parte lo especial que tiene es precisamente eso, que en conjunto gana con el tiempo y que devuelva a Chucho a terrenos menos cómodos. La prolífica producción musical de Alfaro y compañía al final de su andadura hace desechar la falta de ideas como argumento para su disolución. Como prueba se sumaron al disco dos brillantes Eps, el titulado "La mente del monstruo" (que sirvió de adelanto) y "Túnel de lavado", ambos de nuevo con cuatro inéditas.


Y por último, para cerrar un nuevo capítulo, Mercromina se despiden con su obra maestra, "Desde la montaña más alta del mundo". Joaquín Pascual siempre ha sido un enorme compositor, con un peculiar sentido para generar melodías pop de esas que se graban en el subconsciente y a la vez con un tacto especial a la hora de musicar sus composiciones, eligiendo siempre las texturas adecuadas. Pues bien, es en su último elepé, en el que mejor se plasman ambas facultades. Como si a "Canciones de andar por casa" le pasas un filtro tipo "Bingo".Se les pudiera tachar de copiones dirán algunos, ya que en varios momentos de "Desde la montaña..." recuerdan a My Bloody Valentine, y no me atrevería a corregirles si no fuera porque el peso de Mercromina se hace mucho mayor, y permanece con el paso de las escuchas por encima de referencia alguna.Así, de manera inmejorable dicen adiós, dejando un legado que es, como poco comparable (en cuanto a calidad) al que dejaron con Surfin´Bichos.

Chucho anuncia su disolución a primeros de 2005, justo una semana después de hacerlo Mercromina.
"Creced y multiplicáos"

Zeta.




FLAMING GROOVIES

“Los Groovies son la mejor banda de rockandroll de todas la mejores bandas de rockandroll”.

Jaime Gonzalo, director de Ruta 66.

Si esto lo decía a propósito de “Way over my head”, pieza de pop incandescente pero menor y ya de su última y menos satisfactoria etapa, qué hubiera dicho de comentar alguno de sus temas mas logrados y flamígeros. Es verdad que esto una afirmación maximalista, realizada por un fan enfebrecido por toparse con un nuevo artefacto groovico, pero qué sería del rock sin alabanzas desmedidas como éstas, sin esos egos más consistentes que la ciudad de Petra, ¡¡si hasta Liam Gallager el payaso de los Oasis se autoproclama la altura de Lennon y Elvis!.

Como siempre, como en todo estas manifestaciones epopéyicas alimentadas por la subjetividad más recalcitrante habrá que considerarlas a medias y acompañadas de una sonrisas de complicidad; ponderadas según el criterio y las sensaciones de cada cual habremos de asentir el aserto que ya nos regalara nuestro antiguo profesor de Química de segundo de BUP , Don Manuel Serrano, de que “nada es verdad ni mentira, sino que todo depende del color del cristal con que se mira”.

Sí es cierto que los Groovies fueron, (lo que queda ya sólo es un remedo insignificante de su grandeza pretérita) una banda ejemplar en las actitudes, talentosa y exquiista a la hora de la revisitación y memorable en la composición.

Consiguieron como pocos conjugar la eterna y determinante dualidad Stones-Beatles con una clase inigualable, respetaron la tradición y fomentaron una devoción desmedida por el rockandroll clásico cuando todo empezaba a fenecer en pos de un sinfonismo inane, fueron vehementes en la interpretación en directo, donde alcanzaron su verdadero potencial y se atoexcluyeron de la dictadura de las modas de las cuales siempre renegaron. Ante todo fueron fans que hicieron de su pasión virtud , que tocaban música para divertirse y poder escapar de la rutina que atenaza la vida de la mayor parte de los mortales; fueron festivos y hedonistas y buena parte de su mundo se reducía al aspecto lúdico de una existencia en la que no dudaban en perseguir cabezas adolescentes alocadas con canallas como Kim Fowley o proclamar en brillantes canciones que era frenética acción lo que necesitaban para estar eternamente felices y dichosos.

Los descubrí a propósito de “One night stand”, un refrito de antiguos éxitos, producido desde Australia por un fan, Meter Noble, que les dio la penúltima oportunidad donde resarcirse de un pasado reciente drogota y de expolio en los derechos de autor.
En “One night stand” estaban confinadas perlas del calibre de “Shake some action”, “Slow Death” y algunas, magníficas, versiones de héroes como los Hoodo Gurus, The Who o Paul Revere and the Raiders.
Informado de que en la banda sólo había dos componentes originales, Jordan y Alexander, y de que el guitarra y el batería eran dos mercenarios jóvenes a sueldo que estaban en las antípodas estilísticas de antiguos groovies, me dispuse a zambullirme en el universo de los de San Francisco sin dudarlo ni un instante.

Si con esos mimbres “One nigt stand “ era un engendro altamente elocuente y disfrutable, me chupaba los dedos de sólo pensar lo que me podría encontrar accediendo a sus referencias míticas, aquellas acompañadas del semiactor Roy Loney o con el armonioso Wilson en su fecunda etapa británica al cobijo del gran Dave Edmund.

A partir de entonces me convertí en un fanático de los Flamin’ Groovies, adoptando en su nombre mi pseudónimo de guerra en cuestiones rockandrolleras, persiguiendo cualquier disco, reseña literaria, noticia en la que se descifrara los porqués del mito que les acompaña como leyenda de culto. Incluso durante años lucí orgulloso camiseta serigrafiada, vía fotocopiadora chapucera, con el frontal de esa obra maestra 5 estrellas, ese alegato guitarrero más cool que la discografía completa de Miles Davis, que atiende por Now.

Me hubiera gustado extenderme más, contar algunas anécdotas que me ocurrieron en su nombre, mis problemas con una casa de discos de Madrid donde me hice con el Supersnazz o cómo gastarse los pocos dineros que se tienen de estudiante en importar discos desde Australia a más de 12 euros de los de 1988, pero el tiempo apremia y los chicos de Serie B intentan que todo está a punto para la fiesta de presentación de la edición digital el próximo día 20 de agosto. Acompañaré no obstante toda la discografía, oficial y pirata reseñable (ésta irá apareciendo en sucesivas actualizaciones de la web), de que dispongo sobre mis amados y admirados héroes. Mis excusas y “shake some action”.

Sneakers. Extended Play grabado en 1968, primera referencia groovie después de dejar atrás el nombre de Lost and found. La influencia del frontman Roy Loney, célula rockandrollera del grupo y artista diletante, se deja notar.

Siete temas que divergen estilísticamente entre el country rock (Golden clouds) hasta el raga ( My yada ) pasando por el r&b psychedélico west coast (The slide) o el beat irresistible (I’ m drowning).
Los Groovies todavía parecían más una orquesta de salón capaz de poder con cualquier cosa que una banda que decididamente ha encontrado su rumbo. Aún así debe considerarse un frugal y sabroso entremés.

Supersnazz. Si alguien ha comprado alguna vez en la tienda de Madrid Escridiscos le sonará la portada ya que es utilizada como bolsa de compra. Su mejor carátula y la más definitoria de la idiosincrasia groovie :5 muñecos con sonrisas de oreja a oreja asiendo botellas de gas, cubos ardientes y cartuchos de dinamita a modo de baquetas. Ese espíritu festivo e incendiario que he comentado antes te lo encontrarás a espuertas en este magnífico decálogo de rockandroll mueve pistas ideal para poner patas a arriba cualquier fiesta mortecina y crepuscular.
Sigue mandando Loney ( no hay pega si firma temazos como Love have mercy o The first one free) dejando a Jordan algunas cositas de menor relevancia (A part from that, Brushfire).Entre tanto el sándwich se complementa con algunas correctas versiones de clásicos americanos y con una excelente muestra de su poderío en las baladas ( Laure dit it).Los cimientos empiezan a ser firmes y el grupo se encuentra preparado y excelentemente engrasado para abordar empresas de mayor calado: los extraordinarios Flamingo y Teenage Head.

Flamingo. Abandonada la estancia en Epic la banda es acogida por el label Kama Sutra, cuyo primer trabajo es este fantástico Flamingo. Uno de los pilares de la leyenda Groovie rellenito de potentes rockandrolles al modo Loney (Gonna rock tonite , Second Cousin), elocuentes y salvajes muestras de lo que una banda en plenitud de facultades puede llegar a conseguir con dos guitarras (vaya duelo entre Tim Lynch y Ciryl Jordan), bajo y batería y de cómo el punk comienza a tomar forma bastantes años de que Rotten y cía escupan por primera vez al público (Headin for the Texas border, Road house).
Estos tíos son unas monstruos y le pegan por igual a los estandars littlerichardianos (Keep a knockin) que al rockandroll, que definiendo el protopunk, como de forma inopinada e insospechada se atrevan y borden una suite pysechedélica amayor gloria del sonido Canterbury. Están en la cima de su poderío y todos nos hemos dado cuenta.
Teenage Head. Considerada por muchos la obra capital de los groovies etapa Loney (después de este trabajo Loney se larga con los Phantom Movers para seguir pergeñando rockandrolles chisposos y rutilantes y renacer su etapa teatral con viejos conocidos como el actor de la película Cabaret).
Sea así o no Teenage Head es tan obligatorio como Flamingo y Supersnazz y tan bueno como cualquier excelente disco que puedas llegar a recordar. Quizá sea su disco más homogéneo estilísticamente hablando, el mejor secuenciado y el más claramente stoniano, lo que pueda haberle convertido en el más apreciado y valorado. Razones, como siempre, no faltan. Desde la slides de High Fying Baby hasta la sentida y exilemainstreetiana Whiskey woman todo encaja con perfecta sincronización. Teenage es rock setentero americano , ése que macera con certera combinación country, blues y garge,ése que llega a las entrañas y te hace seguir estremeciendo y disparando las glándulas sudoríparas y adrenalínicas. Mi debilidad: Have yous een my baby? Irresistible y espídico cover del genio Randy Newman.Un 10.A archivar junto al Sticky Finger, el Sailing Shoes de Little Feat y el Second Helping de Lynryd Skynryd.

Shake some action. Primera entrega de su etapa Beat británica producida por Dave Edmunds y su disco más conocido y valorado. Si hacemos caso a lo que se publica por ahí estamos ante el mejor disco concebido por la Invasión Británcia desde 1964, una leyenda del rockandroll desde le mismo momento de su publicación, 1976; una joya atemporal como pocas y el mejor tributo posible a los Fab4 de Liverpool.
Recapitulemos. La marcha de Loney tras Teenage Head , la detención por tráfico de cocaína de Tim Lynch y el abandono del batería Danny Mihm coloca a los Groovies al borde de la desaparición.
Pero Jordan es un tipo duro de pelar que no abandona así como así y recluta para sustituirles a Chris Wilson ( luego en Fortunate Son y Barrcudas), James Ferrell y David Wright. El resultado es más que sorprendente por satisfctorio. Sin la perspectiva impuesta por Loney haciéndole sombra , Jordan se dedica a lo suyo ,a componer en compañía de Wilson preciosas canciones pop con magníficas voces en la mejor tradición Everly Brothers, Beach Boys y Beatles de menos de 3 minutos ( Sometimes, You tore me down, I can’t t hide) que atrapan toda la magia compositiva de Lennon.Mcrtney sin perder un ápice de personalidad groovica. Como he mencionado antes las canciones sintonía beat se imponen pero queda espacio para certeros disparos rockeros ( St .Louis Blues y Dont’t you lie to me), recuerdos nada nostálgicos de un pasado feroz. Mención especial merece la canción que titula al disco, una de sus mejores canciones de siempre que es como decir una de las mejores de la historia , la perfecta canción pop, insuperable carta de presentación de un disco espléndido a pesar de excluir uno de sus temas más alabados en ese periodo, Slow Death. Totem pop que sin embargo, a mi parecer, se verá superado con la publicación de su posterior trabajo.

Flamin’ Groovies Now.Si Shake es su disco Beatles, este es su insuperada colección Byrds. No albergo dudas, este es el mejor disco de los Groovies junto con Teenage Head, superior a Shake some action y uno de los mejores discos de rockandroll de todos los tiempos. Así, con dos cojones y un palito. Reconforta comprobar como lo atestigua también la Guía esencial del Punk y la Nueva Ola publicada por Rock Indiana..
Si esplendorosa es la versión Byrd de “feel a whole lot better” cojonuda es "Move it", si evocadora es "Take me back", impresionante es "Reminiscing", si impecable es la versión Stones (Paint it black) mágica acontece "Dont’t put me on".

Luego están la saltarina y roquera House of the blue light y, en fin, para qué seguir. Todo aquí es sublime, perfecto, impecable.
¿Y las guitarras?,¡Dios, qué guitarras!, ¡cómo suenan las de Don’t put me on y las de Feel a whole!. Y es que ésto no es un disco, es un homenaje a mayor gloria de la guitarra en todas sus modalidades. Si no me crees, si piensa que exagero, deleítate con la foto de contraportada y hazte con este disco cuando vayas a comprarte el próximo. Lo dicho, un 11.

Jumpin’ in the nignt. ”Estoy escuchando este álbum después de 20 años, pero cada nota , harmonía, guitarra de 12 cuerdas está prendida en mi memoria. Vi a los Groovies una docena de veces en 1980 y en cada show me golpeaba contra las vallas. Recuerdo a los músicos tocar guitarras de 12 cuerdas y bajos de 8. Eso era poder. Eso era pop, pero no power pop, era el Apocalipsis a base de jangle, garage, Beatles, Byrds y Stones. Por aquéllos entonces los Groovies tenían mucho más que ver con The Clash ( siempre , afirmo yo. Nda) que con The Knack”. Quien habla así de este disco y de los show s que acompañaron a su publicación no es cualquiera. Es Steve Wynn, responsable de uno de los mejores discos de 80’s, “Days of wine and roses” con su banda The Dream Syndicate y un excelente conocedor de la Historia del Rockandroll.
Último trabajo de la trilogía inglesa , Jumpin’ supone un bajón respecto a sus impresionantes precedentes. Como ya dije una vez, no se puede estar firmando obras maestras cada año. Aun así el resultado es más que apreciable. Siguen en sus trece con las versiones de Beatles y Byrds (ahora también acompañan una de Dylan, Absolute sweet Mary y otra de Warren Zevon, Warewolves of London) y los temas propios son estupendos ( Jumpin’ in the Nigt,First plane home ) aunque no fantásticos. Lo que no ha cambiado son als guitarras que vuelven a ser fantásticas y despegan de la atmósfera tan rápido como el ozono. Jumpin’ supone el punto final a la edad aristocrática y dorada de su existencia. A partir de este momento las deserciones, las drogas y los múltiples problemas con las discográficas harán mella definitiva en la banda. Han sido años de rockandroll , de honestidad y sacrificio, de amoríos por una forma de vida que nunca les juzgó acertadamente y siempre les negó los logros que ellos merecieron. Pero nada de eso importa a los que como yo les seguimos adorando, fieles escuderos de su andanzas, porque ellos representaron mejor que nadie la honradez y la pasión del que ama el rockandroll por encima de encima de todas las cosas. A modo de corolario, de síntesis subjetiva, “ no fueron los más grandes pero sí los mejores”.


One night stand. De este disco ya he hablado en la introducción. Finiquitada la productiva y provechosa etapa británica, Jordan se encuentra una vez más solo en compañía de su fiel Alexander. Será otra vez un fan, Peter Noble, el que le rescate del olvido, esta vez desde Australia.
One nigth stand es, como no podría ser de otra manera, una trabajo que huele a recalentado, consistente en poner al día las célebre canciones que le otorgaron prestigio y reconocimiento. Ayudados por un guitarrista más cercano al hard que al rock y el beat sesentero y un por eficiente batería, van desgranando éxitos imperecederos ( Shake some action, y Slow death) conjugados con efectivas versiones de amigos ( Bittersweet, de Hoodo Gurus) e ídolos de juventud (Kicks de Paul rever and the Raiders) y Call me Lightning (Pete Townsed, The Who) aparte de un espídico Money y un sensacional Tallahassie Lassie. El resultado lejos de defraudar nos vuelva a congraciar con una banda que ha perdido definitivamente la brillantez pero que todavía e capaz de dar coletazos de buen rockandrol y hacernos pasar un rato extraordinario. Pongánle que quien tuvo , retuvo.

Step up. Último trabajo original conocido ( bueno hay otro por ahí de título Rock Juice que es Step Up modificado) y segunda referencia tras su regeneración australina .

Algo más consistente que One night stand pero menos convincente por la ausencia de joyas del calibre etapa Sire. Todavía hay trallazos ( Way over my head, She’s got a hold on me, Can’t stay away from you) que harían palidecer toda la discografía de epígonos como Fortunate Son y Barracudas, mas hace tiempo que el duende creativo de enjundia les dejó de visitar. Norma es acompañar la producción propia con excelsas versiones. En este caso los homenajeados, bienes cierto que con poco brillo, son Dave Edmund ( Land of the few) y una enésima y anodina recreación del Milcow Blues. Si en todos sus discos hay alguna sorpresa, las de este son un sentido homenaje a Lennon con título elocuente y parco: Thanks John, y un agradecido tributo a la tierra que les acogió recientemente y les brindó su cariño, Way down Under.

Groovieland

HISTORIAS DEL POP-ZOBLANCO
1er. Capítulo "LOS ENEMIGOS. AÑO 1999"


La historia del Pop-zoblanco empieza mucho antes de lo que yo pueda recordar. Mi juventud me impidió disfrutar de las primeras ediciones, por lo que no fuí testigo de su génesis, pero es cierto que aun así me marcó, y como ya he comentado muchas veces, para mí como para otra mucha gente el día de nuestro querido festival se convirtió en el más esperado cada año que pasaba.

Escribo esto motivado por un correo recibido cuyo remitente no es otro que mi admirado y amigo Odón Yún, personaje de sobra conocido y figura indispensable en cuanto a la "movida" local se refiere. En dicho e-mail, emitido nada menos que desde las áridas tierras texanas, el otrora encargado de la oficina de información juvenil nos proponía a mí y a mi hermano redactar un hecho concreto que residía en su curiosidad desde hace años.

El hecho es el siguiente: A mi hermano y a mí se nos ocurrió para la edición de 1999 del pop-zoblanco la idea de realizar unas caricaturas de los grupos asistentes, en concreto de Mercromina, Undershakers y sobre todo de Los Enemigos, con la idea de entregarles una copia a cada uno de estos. Por lo tanto me dispongo a describir lo que sucedería aquella noche de sábado 31 de Julio de 1999.

En principio he de decir que tardamos en descubrir a un grupo como Los Enemigos (fue gracias a nuestro primo Manu Cabrera, batería de los desaparecidos White Holes, que compartieron cartel con ellos ese mismo año), pero por suerte lo hicimos a tiempo de poder disfrutar del maravilloso concierto que ofrecieron en la plaza de toros de Pozoblanco. Esa tarde, como ya era costumbre cada año, nos presentamos allí para ser testigos de la ecualización del grupo madrileño en el coche de nuestro amigo Francis (bajista también de White Holes) escuchando en la radio del mismo el disco "Nada", que presentarían esa misma noche. Pasó la tarde y todos los grupos desfilaron por el escenario realizando las respectivas pruebas de sonido, todos salvo los Enemigos, que se retrasaron en llegar. Volvimos a nuestras casas a prepararnos para lo que nos esparaba a partir de las 22.00 horas.

Quedamos perplejos de la impresionante actuación que ofrecieron Mercromina, igualmente Undershakers desplegaron su punk-pop de forma brillante. Poco después estábamos situados frente al escenario presenciando el concierto de Potato, cuando de la derecha del mismo apareció un personaje delgado, de aspecto descuidado y con una camisa propia de un leñador de Minnesotta. Era Josele Santiago, cantante de Los Enemigos que antes de subir a actuar se asomó para observar el escenario donde minutos despues ellos serían protagonistas. Yo y mi hermano quedamos ciertamente sorprendidos ante su presencia. El autor de todas esas canciones que llevábamos tiempo escuchando acababa de pasar junto a nosotros. [Hay que decir que previamente al concierto habíamos entregado nuestros dibujos a Antonio Jimeno, confiando en que él o el propio Odón pudieran hacérselos llegar a los grupos en el "backstage"]. Al momento de esto apareció nuestro primo Manu Cabrera desde detrás del escenario justo donde los grupos tenían establecidos sus camerinos, y nos dijo lo siguiente: !Venid para detrás, que los Enemigos están flipando con vuestro dibujo!
Un manojo de nervios se apoderó de nosotros, dos críos de 15 años que, ilusionados iban a conocer de primera mano a uno de sus grupos más admirados. Al dirigirnos hacia el lugar donde Los Enemigos se encontraban nos topamos con los componentes de Undershakers y Mercromina que estaban reunidos alrededor de las caricaturas que para ellos también habíamos realizado, estuvimos charlando y amablemente nos firmaron los dibujos.

Posteriormente avanzamos nada menos que hacia la enfermería (donde hacía poco menos de 15 años aquél torero vivió uno de sus últimos momentos, ndr) en la puerta de la cual nos recibió el batería Chema "Animal", quien, felicitándonos nos acompañó hacia dentro para presentarnos al resto del grupo. Una vez allí saludamos por orden a Manolo Benitez y Fino Oyonarte (ambos se encontaban en un extraño estado, el primero inmerso en un silencio y una seriedad terroríficas y el segundo con una efusividad desbordada) que junto a Chema habían firmado previamente nuestro elaborado dibujo.
Finalmente y al fondo de la enfermería tras una segunda puerta nos encontramos con Josele que, sin soltar con una mano su guitarra acústica, no apartaba su mirada de la caricatura. Al principio no supimos como tratar de iniciar una conversación y fue Fino quien se dirigió a él diciendo: "Josele, estos chavales son los que han hecho el dibujo". Él nos miró y sin articular una palabra nos devolvió el dibujo. Comprobamos que, como el resto, había hecho una particular dedicatoria junto a su firma: "Jelou, jauar llú". Además en la caricatura aparecía el 5º componente, Rocco, el perro mascota de la banda. Junto a éste, el propio Josele había escrito: "Miau". Curioso.
Por último pedimos a Josele que nos firmara también una acreditación que teníamos para los dos y que nos permitía acceder a la parte trasera del escenario donde nos encontrábamos. Le explicamos que la dedicara a nombre de "los mellizos", para simplificar, a lo que respondió con otra mirada ignorante, casi atónita. Se lo volvimos a repetir otra vez y al ver que el hombre no parecía entender el mensaje (vete tú a saber porqué) juntamos nuestras caras para hacerle ver que éramos hermanos, fue entonces, aunque tras varios segundos, cuando con un gesto demostró que había entendido lo que intentábamos decirle desde hacía un rato, todo esto sin abrir la boca. Inmediatamente cogió un bolígrafo y plasmó su dedicatoria sobre aquel pequeño papel que aún hoy conservamos como oro en paño. Eso sí, a día de hoy seguimos sin descifrar lo que escribió. Finalmente abandonamos esa sala y volvimos fuera junto con Chema que se mostró muy amable en todo momento.

Durante todo ese rato, Manolo Bénitez no paró de tocar su guitarra eléctrica, sólo, en un rincón, y sin enchufar...Por supuesto que allí detrás ocurrieron más cosas, algunas censurables totalmente pero, por no encontrarlas relevantes o directamente por no implicar a nadie las obviaremos (uhum!).En fin, que así fue como conocimos a Los Enemigos. Entonces nos sorprendió sobre manera el extraño estado en que se encontraban y el modo en que se comportaban los artistas (con el tiempo entendimos que no era algo tan extraño). Nos hicimos unas fotografías con los grupos, con la cámara de nuestro querido Odón, y al poco rato los autores de "Ferpectamente" subieron al escenario y el resto es historia. Historia que, como esta que acabo de narrar, forma parte de la de un festival que fue, es y debe seguir siendo nuestro.
Como Odón me decía en aquel correo, podríamos empezar un libro y sería difícil terminarlo, porque son miles las anécdotas que se tienen de cada una de las ediciones. Pero aún así desde aquí proponemos que cualquiera nos describa algún capítulo reseñable de NUESTRA HISTORIA, para completar y recordar todos estos momentos inolvidables como para nosotros lo fue el de aquella noche.

Sithbass























LA REVOLUCIÓN VINO DE MERCURIO
(VIAJE DEL CENTRO DE LA TIERRA AL PARAÍSO)
Un recorrido por la Trayectoria de Mercury Rev

Aterrizaron en Buffalo NY, a finales de los 80, (aunque Jonathan Donahue y David Fridmann ya habían hecho algunas visitas a la tierra para supervisar las operaciones de los también extraterrestres en la llamada misión Flaming Lips) en principio para musicar filmes propios. Pero el destino quiso que unas sesiones caseras fuera a parar a oídos de Mint films (Inglaterra), quienes se vieron muy interesados en su proyecto. De modo que esos dos pequeños seres llamados Donahue (voz y guitarra) y Grasshopper (guitarras) necesitaran reclutar a otros oficiales. David Baker (voces), Suzanne Thorpe (flautas) y Jimmy Chambers (percusión).


1.- YERSELF IS STEAM (Mint Films-91)
Su primera obra es todo un manual de psicodelia. La eterna intención de orquestar el ruido a través de un uso innovador de las guitarras veía aquí una de sus máximas expresiones. El inicio es demoledor. Es casual el parecido entre "Chasing a Bee" y "DB" de Los Planetas??? y lo es también que el título de la canción de los granadinos coincida con las iniciales de David Baker??? No sé, no sé pero ya se sabe del buen gusto de J. (¿tributo o descarada apropiación?). No sólo eso, el disco es un sin fin de crescendos, de éxtasis sónicos, propios de unos malvados duendecillos divirtiéndose con todos los elementos que tienen a mano.

Un álbum delirante y desquiciante en ocasiones. La producción corre a cargo de todo un experto a los controles, Dave Fridmann (el asesor de Mercury Rev y Flaming Lips), aunque intuyo que no serían pocos los quebraderos de cabeza padecidos por este señor, a tenor del arduo trabajo de controlar el torrencial imaginativo de la tripulación. Una auténtica revelación venida desde las proximidades solares.

La gira de presentación en sociedad reflejó a la perfección lo aparecido en los surcos del artefacto. El aterrizaje fue tremendamente aparatoso. El caos era la palabra más recurrida para definir las hazañas de esta revolución maquiavélica. Pero mientras ellos pretendían conquistar el planeta, les salió el tiro por la culata. Se iniciaron situaciones tensas que dificultaron la misión. El rock and roll y todo lo que conlleva la vida en la carretera les atrapó. El uso de los ácidos enrareció aún más si cabe la idiosincrasia de estos mercurianos. La difícil situación interna quedaría reflejada a la perfección en el lanzamiento de su siguiente cohete a las estrellas.

2.- BOCES (Mint films-93)
Para algunos, su obra maestra. La intención es la misma que en "Yerself is steam". A mi juicio, junto al anterior, son álbumes que no han sobrevivido todo lo bien que se merecen al paso del tiempo. En su conjunto más redondo que el predecesor, contiene maravillas como "Meth of a Rockette´s kick" o "Bronx Cheer", que los confirman como una rareza en el momento en que les ha tocado (sobre)vivir.

Baker y Donahue tejen unas texturas distorsionadas con una destreza artesanal que les sitúa por derecho propio junro a otros genios de la materia como Sonic Boom y Jason Pierce (Spacemen 3/Spiritualized) o los hermanos Reid (The Jesus and Mary Chain).
El (ab)uso de las drogas contribuiría enormemente a unos directos tan chirriantes como los de La Velvet Underground de la época John Cale. Y donde todo parecía diluirse en una maraña eléctrica.Lo que obtenían en sus discos era llevado tan al extremo en sus conciertos que la tendencia no podía durar mucho más. Al menos si querían seguir a flote.
Por suerte decidieron cambiar de registro, al menos en lo que al estudio se refiere...

3.- SEE YOU ON THE OTHER SIDE (Mint Films-95)
Su tercera maniobra fue la más extraña, la más mutante. Abandonaron las sendas del noise y abrazaron intencionadamente otras vías de expresión más plácidas, más pastorales. La apertura que ofrece la flauta en "Empire State" anuncia que no han tenido reparo alguno en deshacerse de parte de la neblina ruidísta que predominaba en sus dos primeros pasos hacia su búsqueda personal. Y aunque no pierden su credencial identificativo ("Young man´s stride"), se muestran imaginativos y dulces en pasajes de una preciosidad congelada en el tiempo, ahí dejaron la fantástica "Sudden ray of hope" para quien quisiera amarla para siempre, vía saxo, trompeta y flauta.
Ampliaron su paleta de colores (Roxy Music & Brian Eno, Brian Wilson, y el soul- "Close encounters of the 3rd grade"-) para que un pequeño rayo de esperanza se dejara entrever, aunque esto supusiera el abandono del imaginativo vocalista David Baker. Fridmann maneja la nave otra vez, aunque decide no pisar suelo terrestre y así ver desde su posición cómo se desenvuelven sus compañeros de viaje.

La gira que siguió a esta perla no sirvió en cualquier caso para domesticar un estilo de vida temerario y peligroso, e incluso violento. La fuerte personalidad de Donahue y Grasshopper hizo que llegaran en ocasiones a las manos. El núcleo se veía por enésima vez sacudido y las enormes tensiones en la carretera sumadas a complicadas situaciones personales estaban apunto de desembocar en el abandono. Eso por no hablar de los constantes coqueteos con la droga y el alcohol. "I´m so close, i´m almost inside..." dentro del tornado.

Pero desde el centro de la hecatombe surgió la razón, demostrando que estos seres podían tener capacidad de reacción, y gracias. Los dos comandantes optaron por no hacer caso a sus diferencias, es más, las asumieron y decidieron ponerse manos a la obra, nunca mejor dicho, porque el resultado no se puede calificar de otro modo, una auténtica maravilla (vaya, sí se puede llamar de otra forma, una obra maravillosa).

Mint films, evidentemente, les dio la espalda y ellos no estaban dispuestos a abandonar, aunque se les pasó por la cabeza, menos mal que apareció V2 con la intención de financiar el siguiente trabajo de la banda.

La catársis padecida hizo que buscaran un refugio terrenal, un paraje en el que dar rienda suelta a su peligrosa imaginación. Y qué mejor lugar que las montañas y lagos de Catskills en NY, un paisaje evocador que contribuyera a una mejor fluidez de ideas.

4.- DESERTER SONGS (V2 Caroline- 98)
El inicio es revelador. No queda ni rastro de ruido. Mercury Rev se han hecho a sí mismos un lavado de rostro, y han decidido no volver a Mercurio, la tierra les parece ya un lugar precioso donde merece la pena quedarse. Se han despojado prácticamente de las guitarras para utilizar todo un abanico instrumental que aunque ya conocían de su anterior compacto, no habían sabido depurar de forma tan brillante hasta ahora. Postales oníricas de ensueño, adornadas por cuerdas, harpas, vientos, teclados, mellotrons, theremines y demás arsenal acústico.

Pequeñas estampas navideñas, nanas infantiles entonadas por voces angelicales que se tornan tan misteriosas que ponen la piel de gallina. Erizan los pelos de un brazo para clavarse en el otro. Subliminal, atemporal, cualquier canción responde a los adjetivos. Un disco mágico, melancólico aunque feliz. Y en esta ocasión el alquimista de Fridmann borda una labor en un disco que se adapta a la perfección a sus juegos de estéreo (prueben a oírlo acompañados de unos cascos y verán a lo que me refiero). La banda sonora perfecta para un paseo invernal junto a un río.
Una colección de una belleza superior, emulando al "Pet Sounds" de Brian Wilson y los suyos. Hasta los Chemical Brothers quedaron fascinados pidiendo la colaboración de Donahue para su "Surrender" (y estos le devolvieron el favor con una refrescante remezcla a la ya de por sí meritoria "Delta Sun..."). Es ahora cuando su conocimiento de la condición humana les hacer sonar más de otro planeta. Un lp PERFECTO.

No es de extrañar que toda la prensa especializada (ujum) babeara con ellos y los elogiara hasta la saciedad. Mercury Rev gozaban ahora de su etapa más gloriosa, fueron invitados a los mejores festivales de la Tierra. Todo Dios quería gritar que eran lo más, y de algún modo la justicia recompensaba tantos años de sufrimiento. El grupo tomó la sabia decisión de controlar el consumo de sustancias en favor de la música, y celebrar en cada actuación su hallazgo. Ahora estaban en el ojo del huracán, la estrategia había alcanzado su objetivo. De hecho un año despues fueron sus compañeros de viaje Flaming Lips los que les acompañaran en el podio con el también sobresaliente "The Soft Bulletin".

Habían conquistado el planeta.
El trabajo de Fridmann fue requerido en menesteres de otros extraterrestres llamados Mogwai ("Rock Action"), estos de origen planetario desconocido. Y de unos jóvenes de Escocia que se sentían de otro planeta, The Delgados ("The Great Eastern").

Pero tal empacho de éxito mediático, no podía ser bueno para unos seres tan frágiles como ellos, Jimmy Chambers y Suzanne Thorpe abandonaron satisfechos y volvieron a Mercurio siguiendo los pasos de Baker, no sin enviar a un nuevo patrullero espacial, Jeff Mercel, que vendría para quedarse, sentado en la banqueta dispuesto a golpear todo instrumento percusivo que fuese necesario.Con la tripulación reducida a cuatro (contando con el bueno de Fridmann), se disponían a llevar a cabo su siguiente acción.

5.- ALL IS DREAM (V2 Caroline- 01)
Todo es sueño. Mercury Rev vivían en un sueño, su sueño, probablemente fuera eso lo que les impedía ser conscientes de la realidad, y volvieron con otro trabajo demasiado influenciado por el anterior. En vez de asumir que acababan de realizar su mejor disco y cambiar de contexto, tomaron la desafortunada decisión de intentar repetir la fórmula. En realidad la fórmula fue la misma, pero se les debió olvidar algún ingrediente, porque el resultado no es el mismo, ni mucho menos. "The Dark is Rising" es sin duda el inicio de álbum más flojo de su trayectoria, los arreglos suenan ahora recargados, demasiado grandilocuentes y barrocos si se quiere. "Spiders and flies" es una orquesta de insectos confesando al mundo su tristeza y soledad.

Pero la empanada mental provoca un falso aroma de disco imprescindible, parte de la crítica les lamió el culo, el desconocimiento de la esencia Mercuriana les hizo caer en la autocomplacencia. Para nada se trata de un disco malo, pero esa no era la senda a seguir.

Hay momentos brillantes ("Lincoln´s Eyes", "Nite and fog"), pero para los que sabemos que las mentes de estos neoyorkinos adoptivos pueden dar para mucho más, el disco carece de empaque, de fuerza, de canciones, ya puestos a exigir...

Aún así "All is Dream" es tierno, no cabe duda de que acaba de nacer el hermano pequeño de "Deserter songs" pero su error es emular a este, en vez de buscar su propia personalidad. De cualquier modo el acabado es brillante, Fridmann sabe barnizar esta caja de música de la mejor de las maneras, y sus bajos trazan pequeños dibujos en el interior de las piezas.

Esta vez han descuidado un poco las canciones, estando más interesados en la apariencia que en la esencia del fondo.Y el cd deja un poso de tristeza general, por lo que irradian las canciones y porque probablemente durante la efusividad generada por "Deserter songs" hayan perdido la barita mágica de entonces.
Tras esta experiencia, quedan especialmente absortos. Más que por el relativo fracaso del álbum, quedan consternados por la desamparada situación de los pequeños seres vivos que habitan el Planeta Tierra. Se ven a sí mismos como a aquellos insectos de Spiders and flies, y deciden organizar un nuevo viaje, en este caso una huída hacia adelante. Proponen olvidarse de todo el camino recorrido y centrarse en un nuevo sendero, aunque saben que tienen una forma personal de hacer las cosas.

6.- THE SECRET MIGRATION (V2 Music-05)
Mercury Rev vuelven fortalecidos por la naturaleza, una naturaleza que los comprende a ellos, y ellos les devuelven el favor en forma de un plan secreto, una migración en busca de un lugar mejor, un lugar donde no padezcan el olvido.

La pandilla gamberra se sumerge en un mar de belleza, aunque ahora la historia no se desarrolla en las mañanas del "deserter songs". Ahora se mueven durante la noche, alumbrados por libélulas, y revoloteando como mariposas guiadas por el aviso de grillos. Es una revolución tramada a oscuras, susurrada al oído. Las campanas suenan en "Across Yer Ocean". Están reforzados por un nuevo cómplice llamado Carlos A. Molina, y de nuevo trazan un universo mágico, de ciencia ficción, de miniaturas cálidas como las noches de verano. Otra vez vuelven para fascinarnos. Desempolvando sólo cuando es necesario las fundas de sus guitarras y usando los arreglos para adornar preciosas maravillas ("Black Forest", "Vermillion").

Despues de este último movimiento es difícil prever hacia dónde conducirán la nave la próxima vez, pero de lo que no me queda duda es de que, proveniendo de un lugar tan lejano es sorprendente como las aventuras del tridente Donahue-Grasshopper-Fridmann se cuelan por los oídos más terrenales para catapultarlos hacia un lugar de una preciosidad semejante. Tal vez el mensaje que intentan comunicarnos sea que esa utopía tantas veces buscada no está tan lejos como creemos, sino que está en el interior de cada uno de nosotros.

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Nota: Es probable que a lo largo de el artículo haya repetido en más de una ocasión algunos adjetivos, pero he de decir en mi defensa que esto ha sido provocado por la escucha (simultánea a la redacción) de los 6 cds de Mercury Rev. Además, despues de escribir este tocho me niego a releerlo para hacer alguna corrección.

Sithbass.




TARANTINO
La Venganza del SEÑOR MARRÓN

Tras el mostrador de un videoclub en Manhattan, entre el 87 y el 90, se gestó la figura más controvertida, original y fresca del cine estadounidense de la pasada década y las que le quedan, Quentin Tarantino, figura y sobre todo genio del celuloide ha demostrado con tan sólo cuatro películas como director (obviando el capítulo de Four Rooms) que está a otro nivel dentro del mundillo de Hollywood. Tarantino conjuga unos diálogos baratos, magníficos, irónicos y absurdos, con la acción más espectacular y el humor más negro, convirtiendo las historias más simples en auténticos espectáculos audiovisuales.

Con Reservoir Dogs, en 1992 y con 4 duros, de los cuales 3 los puso de su bolsillo el propio Harvey Keitel, llega la primera muestra de talento de QT. La historia de un robo que no se ve, que se nos cuenta por medio de diálogos con un ritmo, brío, desparpajo y musicalidad que ya quisiera Eminem para sus discos (algunos de los diálogos se incluyen en la banda sonora, y no solo porque Quentin sea el productor musical).

En esta película se observan todas las bases de su fórmula, guión muy original a partir de una historia muy simple, diálogos eléctricos, una banda sonora especialmente seleccionada por él y una multitud de personajes tan variados como los colores que sirven para darles nombre. Y aquí Tarantino demuestra que es especial, utiliza actores en algunas ocasiones totalmente acabados (como Travolta en Pulp Fiction, Pam Grier en Jackie Brown, David Carradine en Kill Bill). En Reservoir Dogs Michael Madsen hace su enésimo papel de gángster con mucha mala uva pero en ninguna de las cientos de películas de este tipo que ha hecho (las suelen poner en canal sur los sábados tras la jornada de liga, cuando no es de Dolph Lundgren, Chuck Norris o el magnífico Charles Bronson) brilla como en esta.
¿Cómo es posible que te pueda gustar algo tan grotesco como una tortura? fácil, si pones de fondo el supersonido de los 70 ("stuck in the middle with you") y la amputación de la oreja se hace al mismo ritmo de la canción ya tienes una escena gloriosa. Pero sólo sale bien si Tarantino dirige, cuando se le ha encargado elguión para que otros le imiten el resultado no es tan grandioso ni de cerca, ni Oliver Stone en Asesinos Natos (que más que adaptar el guión le dio de tijeretazos, de esta película sólo se salva el tema de Leonard Cohen Waiting For The Miracle) ni Tony Scott supo hacer de Amor a Quemarropa películas tan desinhibidas y divertidas como las de QT.

Para muchos, su debut es su mejor película, incluso Garci la pasó por su programa como "el ejemplo de cine norteamericano independiente de los 90".

Pero aún estaba por llegar, en 1994, Pulp Fiction, lo mejor de los 90 en lo que a pantalla grande se refiere, una historia que bien podría estar tomada de dos filmes de Jim Jarmusch (Noche en la tierra y Mistery Train) pero eso da igual porque ¿acaso alguna de esas dos ha tenido la repercusión de pulp fiction? pues la verdad es que no, aunque estan muy bien, la verdad.
En esta (repitiendo la fórmula) muchos y variados personajes y sobre todo esos diálogos absurdos (que van desde denominación de hamburguesas, a masajes en los pies a la señora del jefe Marcellus Wallace y las consecuencias que eso pueda traer, o sobre si una chopped es una motocicleta o no lo es), absurdos pero desternillantes y únicos. Le dieron un oscar al guión pero eso al proteico Quentin no le iba a conducir por la senda de lo convencional, y demos gracias por ello. Otra Banda Sonora especialmente acertada, con joyitas como Son of a Preacher Man (Dusty Springfield), Lonesome Town (interpretada por Ricky Nelson), You Never Can Tell (Chuck Berry) y FLowers on the wall (The Statler Brothers).Una narración entrecortada y desordenada, ¿con qué objetivo? no importa, lo importante es la sucesión de situaciones imprevisibles y entretenidas y esa particular forma de mostrarlas, tan imitada últimamente (Guy Ritchie, John Woo, Robert Rodríguez, Gonzalez Iñarritu... hasta los reporteros de CQC le han copiado la elegancia del look de sus gángsters), pero Tarantino sólo hay uno, al igual que Pulp Fiction sólo hay una.

Algún enfermo se ha encargado de contar el número de veces que se dice "joder" en esta película, 271, curioso...(Contabilización realizada en la V.O. y teniendo en cuenta los diminutivos y aumentativos de "fuck")Los personajes de Pulp Fiction son aún más variados que en Reservoir Dogs, desde los gángsters Jules (Samuel L. Jackson) que recita un pasaje de la biblia antes de matar a sus objetivos y Vincent Vega (hermano de Vic Vega-Mr. Blonde de Reservoir Dogs) hasta Butch el boxeador (Bruce Willis) o las particulares colaboraciones de Harvey Keitel como El Lobo y Christopher Walken contando la historia del reloj del padre de Butch, como siempre situaciones extavagantes y delirantes.

Tras la magnífica Pulp Fiction, en 1997, llega la por aquel entonces la muy esperada próxima película de Tarantino, con novedades a la hora de abordarla. Por primera vez el guión no es sobre una historia original suya, sino la adaptación de la novela Rum Punch de Elmore Leonard, (magnífico escritor, lo más cercano a Tarantino en lo que a literatura se refiere; actualmente se ha adapatado otra novela suya a la gran pantalla, aunque el resultado es bastante más triste que con Rum Punch. Aunque resulte simpático ver a Tavolta y a Uma bailar 11 años después. La peli es bastante pobre, Be Cool). Con una imagen muy cercana a la blaxpoitation de los 70, la gran estrella de aquel subgénero cinematográfico era como en este film Pam Grier, la fantástica Jackie Brown.

Jackie Brown puede considerarse la película más madura de Tarantino, al menos la crítica la recibió con mejores maneras que a las anteriores y tuvo éxito en taquilla, pero el público la acogió de forma más tibia, menos violenta, un humor más negro aún si cabe, una historia ligeramente más compleja y lineal. Los diálogos siguen siendo la piedra angular de la película, pero no llegan a la calidad y cantidad de Pulp Fiction.

Las interpretaciones están a un altísimo nivel, Pam Grier es la única mujer que puede ser Jackie, Samuel L. Jackson vuelve a estar magnífico, aquí como Ordell (tuvo total libertad para diseñar a su personaje, desde las gorras que usaba a las bebidas que tomaba, destornilladores). Pero destaca especialmente el papel de Robert de Niro como Louis Gara, de Niro interpreta a un personaje bobo, simple, muy contenido y observador, algo que no es habitual en este actor, muy dado a exhibir su grandísimo e indudable talento, pero aquí, como todos, está al servicio de la película no de sí mismo. Y el resultado es pura dinamita irónica y negra (en cuanto a su humor, pese a que Spike Lee protestó públicamente por el trato que Tarantino hace de los negros en esta película, a lo que Quentin respondió que prefería tratar así a la gente de color en películas divertidas y taquilleras a hacer películas reivindicativas y aburridas como las suyas). Un peliculón en toda regla.

Lo penúltimo de este angelino de adopción es Kill Bill Vol.1, media película por obligación de la productora, contada en flashback, desordenada de una forma menos caótica que Pulp Fiction (nos numeran las partes), con personajes con seudónimos que hacen alusión a serpientes venenosas y cambio total en las referencias, del cine negro (blaxpoitation) de los 70, al cine oriental de yakuzas, en esta película los guiños a este cine son imposibles de reconocer por la gran cantidad, tal vez el más recurrente sea que la indumentaria que usa la bellísima Uma Thurman es idéntica a la que usó Bruce Lee en Jugando con la muerte. Otra curiosidad es que Gogo Yubari (la niña guardaespaldas que tiene un yo-yo mortal) hace un guiño sutil y simpático al mismo personaje que ella misma hacía en Battle Royale, muy divertida. Pero por lo que no paso es por aceptar que la escena de La Novia contra los 88 yakuzas (los 88 maníacos) sea una copia de la lucha entre Neo y los señores Smith, por favor, ¿cómo me van a comparar la clase con la que plasma Tarantino dicha pelea con el jugueteo con ordenadores que hacen los Wachosqui? Además de que los trajes que usan los malos de matrix me suenan de algo...
Pero volviendo a lo que es la película, la historia es tan simple como que a una ex-asesina a sueldo embarazada su ex-jefe y amante hace asesinar y asesina a toda la gente presente en la boda de la novia, incluyendo o al menos eso cree ella a la criaturita que espera. Vamos, una de venganzas de toda la vida, como esas de Van Damme, al que le asesinan la mujer y el se reconforta cargándose a dios y a la madre, pero cuando Tarantino está detrás de esto la cosa cambia y mucho.

En primer lugar, los consumados y delirantes diálogos de sus primeras dos películas se sustituyen por litros de sangre y desmembramientos, artes marciales y una ación llevada a cabo principalmente por mujeres, de entre las que destaca claramente Uma Thurman, el álter-ego de QT, protagonista absoluta y creadora de su personaje. La película incluye, además de la siempre sobresaliente banda sonora, una retrospectiva manga sobre el personaje de O-Ren Ishii que es una auténtico e inesperado tesoro. EL desenlace de tan sangrienta venganza, Kill Bill Vol.2, no es tan adrenalítico como el Vol.1 en lo que a violencia se refiere, aunque siendo una película de Tarantino violencia hay y mucha, pero aquí da paso a una mayor ironía y presencia de los personajes, más y mejores diálogos, insuperables las reflexiones de Bill (Carradine) sobre la personalidad de Superman comparándola con la personalidad propia de la Novia o Mamba Negra, podía ser perfectamente el porqué de esta película, o la más maravillosa declaración de amor que he visto en el cine en muchos años. La presencia de Madsen (Butch) también se agradece y confirma que este actor a las ordenes de Tarantino hace cosas memorables, escuetas, pero no por ello menos intensas y divertidas. En fin, el volumen 2 es elegante, inteligente, emocionante, sorprendente. Un bombardeo visual relleno de toques filosóficos, kung fu samurái, spaguetti-western y humor negro y absurdo, de lo mejor del nene malo de Holywood.

Magnífico Carradine, que fue incluso nominado a los globos de oro.¿y tras Kill Bill Vol.2? Participa como director invitado en la próxima película de su coleguita Robert Rodríguez "Sin City", también parece que va a ser el encargado de dirigir el último capítulo de C.S.I. Las Vegas, pero en pantalla grande hasta 2006 en principio no llegará Inglorious Bastards una bélica ambientada en la segunda guerra mundial, donde es segura la presencia de Michael Madsen y muy probable la de Travolta, una nueva oportunidad de demostrar que es un genio de la narración.

"Med Vega" desde dentro del maletero.





ROSENDO MERCADO
"Otra Noche de Rock and Roll"

Aún recuerdo el momento en el que me enteré, de que mi ídolo musical iba a venir al Pop-Zoblanco, ( la piel de gallina se me sigue poniendo) fue una llamada que me hizo mi amigo Cecilio Guijo, que también todo entusiasmado, quiso ser el primero en ver mi reacción. El día que llevaba esperando desde hace años iba a llegar por fin.

Os comentaré algunos argumentos sobre los primeros pasos y estos últimos de Rosendo Mercado Ruíz, (aunque con últimos, no quiero decir que vayan a ser últimos, por supuesto) para muchos gustos y para mí, el mejor rockero y guitarrista que ha dado este país. Rosendo comenzó sus primeros pasos como guitarrista de un grupo llamado Fresa en 1972, que se dedicaban a hacer versiones, tras la incorporación de Jose Carlos Molina (cantante) el grupo pasó a llamarse Ñu y 5 años después en 1977 esto acabó, por las continuas discusiones que tenían entre ellos de ahí algunas frases que para muchos quedan en el recuerdo como: "Chico, hasta aquí hemos llegado" -Rosendo. "Las canciones que haces son un leño tío"- Jose Carlos Molina. Dicen que unos días después de estos altercados, se creó Leño, los cuales debutaron por primera vez el 12 de febrero de 1978 en la sala Alcalá Palace, como teloneros de Asfalto. Después de sacar cuatro joyas: -Leño -Más Madera -En directo -¡corre, corre! y algunos que otros singles y recopilatorios varios, leño se disuelve en octubre de 1983 decían sus miembros que habían llegado a "un callejón sin salida a nivel creativo". (Aunque estaban en su mayor resplandor de éxito). En la edición del 11 de octubre el diario ABC publicó: "El grupo de rock con más carisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelve definitivamente. La muerte de la banda, que se había insinuado ya en los últimos meses, llega en un momento en el que Leño funcionaba como una máquina perfecta".

Por último nombrar los miembros: Rosendo Mercado- voz y guitarra. Ramiro Penas- batería y coros. Chiqui Mariscal- bajo y coros. Tony Urbano- sustituiría a Chiqui Mariscal.
Si tuviera que elegir una canción de leño sin duda alguna me quedaría con "Entre las cejas". Tras la ruptura de Leño, Rosendo decide aventurarse en solitario y es en 1985 cuando sale su primer disco, "loco por incordiar", a raíz de aquí es un continuo trabajar y trabajar y se puede apreciar en su cantidad de discos que sacó a relucir:

Loco por Incordiar - 1985
Fuera de Lugar - 1986
...A las Lombrices - 1987
Jugar al gua - 1988
Directo - 1990
Deja que les diga que No! - 1991
La Tortuga - 1992
Para mal o para bien - 1994
Listos para la reconversiòn - 1996
Dame algo B.S.O - 1997
A tientas y Barrancas - 1998
Siempre Hay una Historia …en Directo - 1999
Canciones para Normales y Mero Dementes - 2001
Veo, Veo ... Mamoneo!! - 2002
Lo malo es... ni darse cuenta - 2005

Para Rosendo esto del Rock and Roll siempre ha sido una religión y siempre ha seguido con sus mismas ideas musicales, de ahí que sea respetado como dice mi amigo Dr. Explosivo "por todas las tribus", fue un honor para mí y para muchos tenerlo aquí en Pozoblanco y apretarle la mano al mejor rockero, que siempre apuntó buenas "maneras". De Rosendo me quedaría con dos canciones: "Flojos de pantalón" y "Deja que les diga que no".
Para despedirme quiero recordar unas palabras que dijo cuando lo entrevistó nuestro amigo Antonio Arévalo: -¿Va a ser esta la noche, de la que tanto nos ha hablado y hablado durante años?.- Dijo Antonio-. A lo que contestó Rosendo: - "Esta va a ser simplemente otra noche de Rock and Roll.... como todas las que he dado"

Francisco J. Díaz




ROLLING STONE
Los 500 mejores discos de la historia (sep´05)


Como en cualquier etapa de universitario de hijo de vecino que se precie jamás podré tomar las palabras de Josele Santiago: "En noviembre yo no voy a estar, en noviembre no voy a vendimiar". Nosotros sí que estamos, sí que vendimiamos a nuestra manera. Hace ya unos años que el mes de Septiembre es una pequeña odisea, una última y desesperada oportunidad de acabar de enmendar lo que durante el curso no fuimos capaces de conseguir. En estos días no suelo gozar de tiempo libre, salvo que opte por acortar aún más si cabe mis horas de sueño, momentos que, como mucha gente, dedico a la lectura. Pensando en ese breve momento de ocio diario, al pasar por el quiosco de mi barrio visualicé a lo lejos de una estantería el número mensual de Rolling Stone, en el que claramente se podía leer: "Los 500 mejores discos de la historia", su rotundidad llamó mi atención.
No hay que ser muy ávido para conocer (bueno, esta es mi opinión) que la edición española de esta mítica publicación llena sus páginas de una mezcla entre el underground y el mainstream nada disimulada, además de un sensacionalismo evidente. Pero para un servidor que opina, al igual que Julián Hernández de Siniestro Total, que si hay una cosa más divertida que la música es hablar de música, el entretenimiento estaba asegurado.En este tipo de listas hay que considerar que las apreciaciones siempre estarán basadas en opiniones de ciertas personas, por lo que no dejaran de ser meros ejercicios de subjetividad, obviamente. Cuando esto ocurre en la prensa musical hay siempre cierto aire de competitividad, los piques entre periodistas de distintas revistas son frecuentes y hay veces que las opiniones se ven maquilladas por culpa del qué dirán. La vergüenza y los prejuicios salen a flote, esto se convierte en ocasiones en un hecho demasiado descarado. Sobre todo si publicaciones como Rockdelux (antagónica a la línea de la RS) ya han publicado su correspondiente listado (Los 200 mejores discos del siglo XX según RDL). En principio se advierten 2 diferencias entre la una y la otra. Hay que evitar a toda costa que el lector piense que una lista haya aparecido a raíz de la otra. En RS son 500 los discos que aparecen, y el período que abarca es La Historia, hasta anteayer vamos.

Procederé a expresar, como antes he dicho mi opinión sin pretensiones mesiánicas ni nada parecido, que quede claro, ninguna de las dos publicaciones citadas es santo de mi devoción, pero puestos a elegir me identificaría obviamente, jeje, con Rockdelux, con la cual efectuaré comparaciones a modo de anécdota. Dicho esto concluiré diciendo que aunque sé que es cierto que en gustos no hay nada escrito (o mucho diría yo), como ya se verá, hay ciertos discos que están por encima de las opiniones, por mucho que me digan lo contrario (y esto no deja de ser una opinión).Lo primero que se observa es que de los primeros 30 discos de RDL sólo "Songs of Leonard Cohen" del autor canadiense (-y de Robert Johnson aparecen distintos recopilatorios pero de similar contenido en una y otra revista-) no figura entre los 500 cds de RS. De los diez primeros, cinco son denominador común en ambas partes, en esos estamos casi todos de acuerdo:· "Pet Sounds" The Beach Boys (2)· "Revolver" The Beatles (3)· "What´s Going On" Marvin Gaye (6)· "Exile On Main Street" The Rolling Stones (7)· "Blonde On Blonde" Bob Dylan (9)Resulta curioso también como ambas revistas no consideran de igual calidad los números uno en sendas listas: "Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band", número 1 en RS y 46 en RDL; "The Velvet Underground & Nico" The Velvet Underground, número 1 en RDL y 13 en RS.Por otra parte RS incluye entre sus diez primeros cuatro discos de The Beatles (los dos citados además de "Rubber Soul" y "White Album") y 2 de Bob Dylan ("Blonde On Blonde" y "Highway 61 Revisited"), por lo que esta clasificación de los 10 primeros se reduce a 6 bandas, falta por nombrar el "London Calling" de The Clash (8).Conforme avanza la lista nos encontramos con Elvis Presley, Miles Davis, más Beatles (muy pesados), Jimi Hendrix, Nirvana, Springsteen, Van Morrison, Michael Jackson, Chuck Berry, Lennon, Stevie Wonder, James Brown, Fleetwood Mac, U2, The Who, Led Zeppelín, Joni Mitchell, Ramones, The Band, Bowie, Carole King, The Eagles, Muddy Waters, Love, Sex Pistols, The Doors, Pink Floyd, Patti Smith, Bob Marley, John Coltrane, Public enemy, Allman Brothers, Little Richard. Hasta ahí más o menos no meten ningún gambazo (alguno un poco coñazo sí) , el orden y los álbumes serían discutibles, pero no hay ninguna sorpresa. Lo primero que me llama la atención es que se hayan acordado del "Trout Mask Replica" de Captain Beefheart (58), probablemente el disco más "uneasy listening" de la historia, no por ello menos disfrutable. Aparecen más Beatles, Phil Spector, Curtis Mayfield, Johnny Cash, Creedence Clearwater Revival, más Bob Dylan, Sinatra. En el puesto 110, entre Joni Mitchell "Court and Spark" y The Velvet "Loaded" está "The Bends" de Radiohead, los cuales me gustan mucho, pero esto quizá sea algo desproporcionado, sería más aceptable el "OK Computer" (aquí en el puesto 162) en todo caso. La siguiente barbaridad está en el puesto (139) y los protagonistas también son de mis favoritos pero incomprensiblemente (aunque ya han aparecido "Joshua Tree" y "Achtung Baby" anteriormente) "All that you can´t leave behind" de U2 está en esta lista en vez de, por ejemplo "War", "Zooropa", "Pop" o "Unforgettable Fire", increíble.

Sólo pretendo hacer mención de los casos que me parecen más llamativos, sino no acabaría nunca, y ya se va haciendo un poco tarde. Es cierto que una lista de 500 es muy amplia, lo cual a su favor ayuda a no mojarse tanto, y meten en el saco demasiados discos de varios artistas dejando fuera a otros tan importantes como Flaming Groovies, Mogwai, Slint, Primal Scream, Wilco, Jayhawks, Feelies, Can.Si seguimos avanzando nos encontraremos con la siguiente barbaridad, ya no sólo que un disco como "Dookie" de Green Day aparezca en un puesto tan alto (193), sino que lo haga justo por delante de un álbum de la grandeza y la importancia de "Transformer" de Lou Reed es un delito. Vamos!, afirmar que semejante disquillo sea mejor que el 2ª álbum del neoyorquino es una ofensa. Un disco de tres capullos que aspiraban a realizar un punk inofensivo, en un momento en que el punk carece ya de sentido, por encima de otro cuyo autor puede considerarse uno de los precursores de la rabia surgida en los setenta. Pocas canciones en la historia de la música pueden competir con la triada que conforman "Perfect Day", "Satellite of Love" y sobre todo "Walk On The Wild Side". Más adelante resulta agradable la presencia de Pearl Jam o My Bloody Valentine. Después Frank Zappa & The Mothers Of Invention y su "We´re Only In it For The Money" seguido de ¡ Weezer! ¡Toma Jeroma! Este aparece por delante de, atención, "Grace" de Jeff Buckley entre muchos otros que vienen a continuación. Desde luego esto es para entrar en la redacción de la revista con una repetidora y no dejar títere con cabeza. Justo después sorprende descubrir un álbum como "Avalon" de Roxy Music, es cierto que contiene "More Than This", uno de los principales éxitos de la banda de Brian Ferry, pero este forma parte de mi discografía y la verdad, desde la semana que lo compré apenas he vuelto a ponerlo en mi reproductor, sobre todo cuando estos precursores del glam cuentan en su haber con obras como "Roxy Music" o "For Your Pleasure" (que no aparecen en el listado), mucho más disfrutables, dónde va a parar; la presencia de Brian Eno es crucial.

En los puestos 314 y 315 respectivamente están "The Velvet Underground" de la Velvet y "Surfer Rosa" de los Pixies seguidos de "Rock Steady" de No Doubt. ¡Dios Santo! Si es probable que ni los propios fans de No Doubt tengan este cd. A esta gente de RS se le va la olla con demasiada frecuencia. No olvidemos que tras este están álbumes de la talla de "Disintegration" de The Cure o el "Daydream Nation" de Sonic Youth. En la página siguiente vemos que han seleccionado "Berlin" de Lou Reed y "The Piper At The Gates Of Down" de Pink Floyd, cosa lógica si no fuera porque por delante de estos han colocado al listillo de Moby y su "Play". Otro sacrilegio, además de un insulto a la inteligencia humana. ¿Pero es que los redactores no tienen orejas? Casi peor que no incluir discos como "Technique", "Power, Corruption & Lies" o "Brotherhood" de New Order es incluir simplemente un recopilatorio de singles de los de Manchester, "Substance". Todo lo que se diga es poco. A estas alturas de la lista casi se agradece, ante tanto despropósito, que cds como "Is This It" de The Strokes y "Elephant" de The White Stripes formen parte de semejante verbena periodística visto lo visto. Casi no quedan ganas para preguntar qué tienen en sus cabezas estos personajes para incluir "Californication" de Red Hot Chili Peppers, sobre todo si lo hacen por encima de "Radio City" de Big Star, o el "Sandinista!" de The Clash por poner unos ejemplos. Ya que nos hemos encontrado con Big Star, se percibe que la lista está confeccionada a tirones. Es probable que a la hora de incluir los discos hubiera momentos en que se acordaran de grupos y tuvieran prisa por colocar los albumes de estos grupos, ya que en los casos de Big Star y Brian Eno estos aparezcan prácticamente seguidos. Otro detalle que demuestra la falta de rigor de los autores de la publicación. Vamos llegando al final y se suceden más de No Doubt (uhum), Suicide, Devo, MC5.
Después de esto "Heaven Up Here" de Echo & The Bunnymen (471) seguido muy de cerca (473) por "A Rush Of Blood To The Head" de Coldplay. La influencia de los de Liverpool sobre la banda de Chris Martin es mucho más grande que la diferencia que otorgan a sendos discos desde RS. Tal apreciación indignaría un ego como el de Ian MacCulloch con toda la razón del mundo. La diferencia entre ambos cantantes sería comparable a la existente entre Shaquille O´neal enfrentándose en un uno contra uno de basket a Galindo de Crónicas Marcianas.

Llama la atención una vez más hallar rarezas como la de "Maggot Brain" de Funkadelic en el puesto 486. Y por último ver que "Melon Collie & The Infinite Sadness" del pardillo de Billy Corgan y sus Smashing Pumpkins se sitúa por delante de joyas como "Entertainment" de Gang Of Four, "Vitalogy" de Pearl Jam, "New Day Rising" de Hüsker Dü o "Tres Hombres" de ZZ Top, para así confirmar que la adquisición de este número es algo anecdótico y entretenido, pero a mi parecer antididáctico y por momentos sonrojecedor. Pero en fin, ya sabía a lo que me atenía.

Por último decir que amenizan este apasionante recorrido por la historia de la música con Tops 10 y discos favoritos de artistas de reconocido prestigio como son Solomon Burke, Wayne Coyne (Flaming Lips), Ray Manzarek (The Doors), Flea (RHCP), Albert Hammond Jr. (The Strokes) o Britney Spears... Si es que no tiene desperdicio. Al menos es más interesante que la revista de Ana Rosa Quintana, o eso creo, porque la verdad es que todavía no me ha dado por comprarla. Cualquiera sabe.

Sithbass




30 PROJECT !!
La turbadora historia del proyecto
que por ambicioso se quedó corto.

Lo que pretende esta historia es mostrar abiertamente al público otra anterior, los hechos se escriben casi sólos, porque esta historia está basada en otra real. La historia es la siguiente:


Se encontraban cuatro amigos una agradable noche de verano compartiendo bebidas y opiniones, como en cualquier otra ocasión. Éso mismo se dirían ellos para sí, hasta que tres de ellos sin saberlo, en plena discusión, iban a toparse con un acontecimiento inédito e ilusionante.
Los tres llevaban largo rato argumentando e insultando, aproximadamente el 50 por ciento del tiempo argumentando y el otro tanto restante insultando. El tema de la disputa venía de lo mismo de siempre, del tema preferido de nuestros cuatro protagonistas en común: la música. Hablaban (a distintos volúmenes) a la vez sobre qué o cúal era el mejor método de composición: que si componer espontánemante, que si no...Y concluyeron, pasada una aburrida y agotadora hora y media, ingeniando el Thirty project.

-"Pero, ¿qué es exactamente el Thirty project?" se preguntará el lector. No se preocupe porque aquí estoy yo para explicarlo.Básicamente los cuatro camaradas para deshacer el entuerto se propusieron, sin pensar, un reto. Por eso, después de reflexionarlo un segundo, tampoco quisieron apostarse nada. El reto era grabar en algo más de tres meses cada miembro (=cada participante), individualmente y sin más ayuda que la que presta uno a sí mismo, un total de treinta canciones ("thiiiiiirrrty project!").

Pero qué estúpidos ignorantes, ¿no creen?. Cuatro sinverguenzas que hacen del aburrimiento su pasatiempo favorito jamás podrían conseguir completar tan ambicioso objetivo. ¿Acaso creen que esta historia trata de cuatro joyas de talento infinito?

Ahí es precisamente donde se tuerce la prometedora historia del también llamado "proyecto treinta".

Pues allá que se iniciaron nuestros amigos a crear, a base de rebuznos de inspiración, y desde tres ciudades distintas separadas geográficamente pero artísticamente unidas. 2 de los participantes, puesto que vivían juntos, se repartían a medias el tiempo para componer frente al único instrumento que ambos son capaces de manipular sin provocar daños a terceros: una computadora. El resto de competidores (que no computadores), hicieron lo propio, sumando en ocasiones la ayuda de la guitarra. El pistoletazo de salida en esta emocionante carrera de fondo no hizo sino activar su inspiración, vista la dedicación con que los cuatro comenzaron su trabajo.

Primeras dudas.
A pesar del buen ritmo de composición de la mayoría, el paso del primer mes significó para los protagonistas el primer duro escollo. Cuatro personas comprobaron, en un mismo instante, que el camino no iba a estar precisamente sembrado de rosas, más bien era un laberinto de cardos y espinas que hacía que culminar una nueva canción fuese una utopía desesperante de desgaste .
Cada miembro utilizó un estilo distinto, eso estuvo claro desde las primeras piezas de poco más de 3 minutos. Uno, desde el rock en castellano pasando por el doo woop o el tecnopop; el segundo utilizando la sicodélia en forma de electrónica (ambient-ada); otro orquestando las guitarras y pianos con tintes tenebrosos casi enfermizos; y el último mezclando sintes naif con tétricos y música de atari.En fin, resumiendo un poco nuestra escabrosa historia, pasados los primeros días de un total de, aproximadamente, 100, los participantes del proyecto hacían oídos sordos a los rumores que apuntaban que no serían capaces de alcanzar los treinta temas, pero en su interior tenían dolorosamente asumido que aquéllo resultaría imposible. El objetivo fijado no estaba al alcance de ninguno de ellos...

Imagínense a cuatro jóvenes desolados, comprobando que el tiempo juega en su contra, y que éste lo hace a una velocidad muy superior a su ritmo de trabajo.

Aún así, completado el tiempo de composición, concretamente el día 1 de Enero de 2005, llegó la hora decisiva y con ella cuatro manos que traían un disco. Uno por parte de cada "artista", los cuales hicieron, respectivamente: 9 canciones, 9 canciones, 10 canciones y 8 canciones. Estaba claro quién había juntado más temas apuntando que en el disco de 10 canciones, dos eran versiones de uno u otro grupo (y eso estaba tajantemente prohibido en las reglas del proyecto). Pues bien, dicho día escucharían juntos los cuatro trabajos, había llegado el momento cumbre de la aventura que les había mantenido desocupados casi tres meses!!

Como al fin y al cabo el número no importa, también deciden elegir al ganador midiendo la calidad del producto. Escucharon y se disponían a votar, pero ninguno podía auto-votarse. Algunas partes, dos miembros en concreto, ya tenían tomada su decisión y antes de votar la hacían pública a los cuatros vientos, que, para viento el que hacía ese día..., pero de modo que los dos participantes se votarían entre sí.

Por lo tanto decidirían, ya lo sabían ellos antes de votar, los otros dos miembros que mantuvieron en silencio su elegido.
¿Harían pacto como en Gran Hermano votándose entre ellos?
Nada más lejos, como resultado se obtuvo la siguiente valoración:

Jugador que hizo pública su votación 1: 2 votos
Jugador que hizo pública su votación 2: 1 voto
Jugador que no hizo pacto en ningún momento: 1 voto, a costa del:
Jugador ignorante:0 votos

¿qué consiguió demostrar el 30 project?
Pues, 1º: Que cuatro personas, cuando se embarcan en algo así, debieran tener cierta preparación.
2º:Que, independientemente del número total conseguido, el valor de cada canción por mucho que cueste entenderlo es algo subjetivo....pero que, en algunos casos todos los miembros se pueden poner de acuerdo a la hora de saltar a la canción siguiente.

Y, 3º y último: Que la inquietud mental no está reñida con la pereza física.

¿algún día saldrán estos cuatro discos a la luz y serán aclamados unánimemente por la prensa, atónita? Pues no lo creo. Pero no por su (excaso) valor sino porque sus cuatro autores guardan recelosamente las cuatro copias debajo de cuatro baldosetas repartidas a lo largo y ancho del territorio de la provincia de córdoba. De éllos, de los cuatro protagonistas, no hay información ni datos, se dice que su paradero es tanto éste como aquél, que andan de aquí para allá, pero que caminan tan rápido que nadie los ha visto.

Zeta